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Combien de cases a un manche de guitare ?

Combien de cases a un manche de guitare ?

Si vous vous demandez combien de cases possède un manche de guitare, c’est que vous êtes sûrement intrigué par le fait qu’il existe des manches de guitare de différentes tailles. Mais quelle est l’utilité ? Pourquoi ne pas faire un manche de la même taille avec le même nombre de cases ? Voici la réponse dans ce cours !

Quelles sont les différentes tailles de manche ?

Vous avez sûrement remarqué qu’une guitare acoustique comporte moins de cases qu’une guitare électrique. Si ce n’est pas le cas, comptez-les ! Vous en trouverez en moyenne :

  • 22 à 24 pour une guitare électrique standard.
  • 20 pour une guitare classique ou folk.

Je précise que c’est le cas général de 99% des guitares que vous trouverez sur le marché. Il y a bien entendu des luthiers qui s’éclatent à réaliser des guitares avec une dizaine de cordes et cinquante cases. Ce nombre a un rapport bien particulier avec l’utilité même de l’instrument et sa conception.

Une guitare acoustique a en moyenne 20 cases
Une guitare acoustique a en moyenne 20 cases

Quelle est l’utilité d’avoir plus de cases ?

Vous le savez, la guitare électrique est un instrument orienté solo. Son corps est bien souvent creusé au niveau des aigus (des cases les plus hautes) afin de permettre un meilleur accès à ces cases et atteindre des notes très hautes. Ces notes sont intéressantes pour composer des solos et faire ressortir une mélodie, qui est tout le principe ici de la guitare électrique.

À l’inverse, la guitare acoustique folk ou classique n’est pas utilisée principalement pour faire des solos de guitare. De plus, la forme classique (dreadnought) n’est pas adaptée à l’accès aux aigus. Casser cette forme, c’est changer l’esthétique éprouvée de ces guitares et aussi modifier le son et le coffre de votre instrument. Ainsi, si vous désirez jouer votre 19ème case à la guitare acoustique, il est fort probable que votre pouce se retrouve bloqué par le corps de l’instrument.

Ainsi, l’utilité d’avoir plus de cases se ressent sur l’instrument. En avoir plus sur une guitare électrique est intéressant car vous pourrez explorer d’autres notes et que l’accès au manche vous le permet. Sur une guitare acoustique, en rejouter ne changerait pas grande chose vu que l’instrument est plus destiné au rythme et aux arpèges et que l’accès n’est tout simplement pas facilité, sauf si vous jouez de la guitare manouche par exemple.

Quelles sont les notes ajoutées avec ces cases en plus ?

Vous avez bien remarqué que la douzième case d’une guitare est marquée par deux points sur la majorité des guitares. C’est la notion d’octave. Votre corde de mi aigu par exemple donne un mi aigu à vide. Si vous allez douze cases plus loin, vous allez jouer la même note sauf plus aiguë. Vous allez donc augmenter d’une octave.

Vous l’aurez compris, si vous avez une 24 cases, vous aurez 2 octaves supplémentaires par rapport à la corde à vide. Si vous avez une 36 cases, vous en aurez 3 de plus et ainsi de suite. À savoir, il est rare de croiser des guitare de plus de 24 cases, mais certains grands guitaristes, fanatiques de la vitesse, du legato et du shred comme Michael Angelo Batio aime les guitares à doubles manches et à plus de 28 cases…

Comment jouer un slide à la guitare ?

Photo d'un guitariste en train de faire un slide et de glisser une case vers l'autre.

Le slide est une technique de jeu ou effet qui consiste à faire glisser son doigt d’une case à une autre en maintenant la pression, de façon à créer une sensation de “glissé” entre deux notes. Nous vous proposons d’apprendre le slide à nos côtés avec quelques exercices au travers de cette leçon qui mettra à l’épreuve la résistance de vos doigts !

Jouer son premier slide en tant que débutant

Le slide peut être utilisé sur une guitare électrique comme une guitare acoustique. C’est un effet de jeu qui est présent majoritairement dans les solos, mais aussi dans les rythmiques pour donner encore plus d’effet à vos transitions entre différentes notes. Vous appliquerez cette technique avec votre main gauche et veillerez à bien garder la pression du doigt sur la corde durant toute l’exécution de cette technique. Utilisé en rock, en classique et surtout en blues, il se peut que vous réalisez vos futurs slides avec un bottleneck permettant de donner un son absolument dément !

Le slide sur une tablature et partition

Avant de jouer cet effet pour la première fois, nous allons découvrir sa notation. Si vous observez un “/”, “” ou un “s”, c’est que vous êtes en présence d’un slide.

  • Le “/” représente un glissé entre une note inférieure vers une case supérieure.
  • Le “” est l’inverse, d’une case supérieure vers une case plus petite.
  • Le “s” est souvent placé au dessus des deux notations précédentes.

Un slide se situe majoritairement entre deux notes. Si une seule note est présente, il faudra slider d’une case à votre bon vouloir vers la case visée dans le cas d’un “/” et inversement pour le “”.

Un exemple d'un slide sur une tablature. Premièrement de la case 3 vers la case 5 et deuxièmement de la case 5 vers la case 3.
La notation du slide en tablature peut s’exprimer de différentes façon, vers le haut, le bas, avec ou sans le “s”

Le slide entre deux notes

Le premier exercice à mettre en oeuvre est de slider d’une case vers l’autre. Dans cet exercice, vous devez procéder comme cela :

  1. Placez votre doigt en 3ème case sur la corde correspondante (la corde la plus fine)
  2. Attaquez cette corde.
  3. Maintenez la pression avec votre doigt de la main gauche et glissez vers la case numéro 5.
  4. N’attaquez pas la corde une fois arrivé en 5. La pression continue tout en glissant permet de créer automatiquement le son de la 5ème case.

Si vous aviez la notation inverse, de 5 vers 3, vous auriez effectué la même procédure. Par convention, on propose de ne pas attaquer la note suivant un slide. Cette note étant déjà crée suite au slide.

Le slide entre accords

Vous vous en doutez, vous pouvez “slider” d’un accord à l’autre. Rien de tel que d’appliquer cet effet entre deux accords de puissance. Slider entre des accords est chose commune quand vous jouez du hard rock ou du blues. Là encore, vous devez attaquer la première fois puis glisser en maintenant cette fois ci la pression sur plusieurs cordes afin d’arriver aux cases ciblées par la fin du slide. Maintenez la pression avec l’ensemble des doigts qui constituent l’accord. Une petite astuce qui peut vous aider : redressez au maximum les doigts pour qu’ils soient perpendiculaires au manche de votre guitare. En effet, vous risquez sinon d’étouffer les cordes en glissant. Faite bien attention à arriver à la position finale bien à côté des frets du manche.

Autres notations du slide

Comme je l’ai cité au début de ce cours, il n’est pas impossible d’appliquer cet effet sur une seule note, par exemple :

  • le “/5” indique que vous devez jouer une corde à vide et venir glisser rapidement vers le 5. Vous pouvez aussi partir de la case 1 ou 2 par exemple. Le tout est d’avoir assez d’élan pour faire naître un slide et sa sonorité si particulière.
  • le “5” veut dire qu’il faut jouer le 5 et repartir vers la tête du manche. Si c’était “5/”, il faudrait partir vers le corps de la guitare en effectuant le slide.

Je vais vous donner un moyen très simple de retenir l’importance du sens du slide. Si vous rencontre le “/”, vous voyez que le début de ce “slash” est en bas, il est donc situé dans les graves. Ensuite, il monte vers le haut, donc vers les aiguës. Le “” par du haut (donc des aiguës et cases hautes) vers les notes graves. Ainsi, le “5” veut bien dire “je joue la case 5 et je slide vers les graves”. Plutôt pratique pour retenir cela n’est ce pas ?

Dans quel cas utiliser la technique du slide ?

Comme je l’ai précisé dans ce cours, le slide est utilisé majoritairement dans les solos. Pourtant, vous pouvez appliquer cette technique dans un jeu avec des accords. La musique permet de laisser libre cours à votre imagination. Vous pouvez très bien l’appliquer sur une note et enchaîner avec un bend par exemple. Peu importe aussi votre accordage ou l’attaque aux doigts ou au médiator. Par ailleurs, sachez que vous pouvez utiliser un bottleneck pour apporter un effet “blues et country” encore plus marqué.

Je vous ai indiqué avant qu’on n’attaquait pas la corde après un slide. C’est effectivement une convention, mais rien ne vous empêche de jouer à nouveau cette corde. Le mieux est d’apprendre et d’expérimenter par soi même pour chercher ce qui sonnera le mieux. Pour terminer, je vous conseille d’écouter “Europa” de Santana. C’est un morceau composé de nombreux slide qui vous permettra de vous inspirer et de vous donner des idées. Pour aller encore plus loin, vous pouvez écouter Pink Floyd qui utilisait une guitare Lap Steel, absolument incroyable pour effectuer des effets de slide au bottleneck.

Jouer en buté et pincé – différence entre rest stroke et free stroke

Technique de buté ou pincé à la guitare, nommées "free stroke" et "rest stroke"

Avez vous déjà entendu parler du jeu en buté ou en pincé à la guitare ? En anglais, ce sont les “rest stroke” et “free stroke”. Ces deux techniques de jeu aux doigts se différencie par la positon de la main et des doigts après chaque attaque, voyons ensemble les différences, comment les jouer et quelques exercices pour pratiquer cette technique.

Le jeu aux doigts

Dans cette technique, il n’est pas question d’utiliser un médiator. Ce sont vos doigts qui effectueront le travail ! Pour rappel, votre pouce s’occupe normalement de jouer les 3 plus grosses cordes en attaquant du haut vers le bas, puis l’index, le majeur et enfin l’annulaire pour jouer la plus petite corde.

Jouer en pincé : le free stroke

Dans le cas du jeu en pincé, le pincement de la corde est effectué avec la pulpe du doigt ou votre ongle. On respecte toujours la même règle de placement des doigts énumérée au dessus. Votre pouce va rester parallèle à votre cordes, tandis que vos doigts (index, majeur et annulaire) vont venir attaquer en dessous de la corde. Une fois que vos doigts ont attaqué la corde, vous avez simplement à les laisser à proximité de la corde sans les toucher. C’est la technique de base utilisée dans les arpèges. Par la suite, il est possible d’utiliser aussi l’auriculaire dans le flamenco, ce qui donnerait la fameuse technique du “rasgueados“.

Jouer en buté : le rest stroke

La technique est simple. Personnellement je ne l’ai jamais utilisé, préférant le jeu en pincé. Il suffit de pincer la corde, comme dans la technique de base. Puis, votre doigt va venir buter sur la corde suivant. Par exemple : vous jouez la corde de “mi aigu”, votre doigt se posera sur la corde de “si”. L’idée ici est d’obtenir une meilleure distinction entre les notes qui vont être jouées en buté. Si vous aimez le flamenco, là encore, vous pouvez retrouver ce jeu dans la technique du picado.

Il est possible aussi de jouer en double butée. Dans ce cas, le pouce est contraint de jouer plusieurs cordes. Le pouce viendra alors se poser sur la corde suivante une fois que son mouvement terminé. Pour vous donner un exemple : votre pouce attaquera la grosse corde et la corde en dessous (mi et la) et finira en butée, se poser sur la corde de ré.

La position du buté ou pincé ou stroke à la guitare
Un excellent exercice pour travailler votre position de stroke en buté et en pincé.

Quand utiliser le buté ou le pincé ?

Si vous aimez jouer des arpèges à la guitare classique, folk ou électrique, il est fort possible que vous ayez utilisé la technique du pincé. Si vous êtes bassiste, vous avez l’habitude de jouer avec les doigts et jouer avec la technique de la buté. Il y a deux choses qui vont faire que vous allez préférer l’une ou l’autre technique : votre aisance avec le “free” ou le “rest stroke”, et le style de musique. Je vous parlais avant de flamenco et de la musique classique. Dans ce style, le buté primera face au pincé. Si vous voulez jouer du rock ou des ballades comme celles de Cabrel, c’est la technique du pincé qui sera utilisée. Comme d’habitude, rien ne vous empêche d’utiliser l’une ou l’autre technique, mais la sonorité ne sera pas la même.

Par ailleurs, il est certain que la technique du pincé est bien plus accessible si vous êtes en train de débuter la guitare. Le pincé pourra être étudié dans le flamenco qui est un style qu’on aborde qu’après avoir réussi à jouer des accords et maîtriser les principales techniques.

Comment travailler le buté et le pincé ?

Un excellent exercice pour jouer ces deux différents stroke est d’alterner une phrase de buté et une phrase de pincé. Ainsi, quoi de mieux que de jouer le début des “jeux interdits” ? Je vous propose d’effectuer l’exercice suivant sur les mesures jouées avec les cordes à vide :

  1. Jouez la première fois avec la technique du pincé. Votre pouce reste parallèle aux cordes tandis que vous attaquez les cordes les plus fines avec le bout de vos doigts sans poser les doigts sur les cordes.
  2. Une fois terminé, vous effectuez le même exercice mais en buté. Vos doigts viennent alors se positionner ensuite sur la corde du dessus à chaque attaque.

Je vous laisse ci-dessous le fameux tutoriel à pratiquer.

Qu’est ce qu’une pédale à la guitare et leurs différences ?

Un assemblage de différentes pédales de guitare pour vous expliquer de qu'est la différence entre toutes ces pédales

Vous avez sûrement déjà entendu parler des pédales d’effet à la guitare, soit dans un magasin de musique, soit auprès d’un guitariste un peu plus expérimenté que vous. Le mot pédale de distortion, overdrive, réverbération et loop ne vous dit rien ? Ne vous inquiétez pas, nous allons détailler ensemble toutes les différentes pédales de guitare qui sont indispensable ou non à votre jeu de guitariste, pour améliorer votre son et rajoute des effets.

Qu’est ce qu’une pédale de guitare ?

Une pédale de guitare et un petit dispositif électronique que vous pouvez contrôler avec votre pied et qui permet, selon ses caractéristiques, d’appliquer un effet à votre son. Vous pouvez brancher une guitare électrique, une basse et même une électro-acoustique afin de changer votre son. Elle peut être branchée sur secteur ou alimentée avec une pile 9V. Je vous conseille d’acheter rapidement une alimentation ! Les pédales sont très gourmandes en piles et vous risquerez de passer votre temps à aller acheter des piles.

La pédale vous permettra donc d’avoir un autre type de son, voici quelques exemples :

  • une saturation donnant un son plus agressif avec la distortion ou l’overdrive.
  • de la réverbération vous donnant l’impression de jouer dans une grande église.
  • un écho, amené par une pédale de delay.
  • ou des effets particuliers comme la wah-wah.

En appuyant avec votre pied, vous allez activer l’effet que contient la pédale. En appuyant une deuxième fois, vous allez enlever l’effet, on dit qu’on le “bypass”. D’ordre général, le prix moyen d’une pédale est compris entre 40 et 180€ en fonction de la gamme et de l’effet attendu.

La différence entre une analogique et une pédale numérique

Vous allez découvrir ici un conflit de puristes. À la base, la pédale d’effet possède un circuit électronique composé de transistor. C’est d’ailleurs en 1962 que la première pédale a été crée. Pour les curieux, c’est une pédale de fuzz, je vous explique tout dans la suite de l’article. Ainsi, un signal analogique traite un signal électrique en entrée avec ses composants, avant de l’injecter en sortie jusqu’à votre amplificateur.

La pédale numérique commence à pointer le bout de son nez en 1980. Le but est d’échantillonner (découper) les signaux audio en un flux numérique. Ensuite, les différents composants à l’intérieur comme des processeurs vont traiter numériquement ce signal. Pour finir, ce signal numérique est reconverti vers un signal audio.

Le grand conflit des guitaristes réside là : les puristes préfèrent les analogiques tandis que les nouveaux guitaristes apprécient les numériques. C’est qu’une simple question de point de vue.

Avantages et inconvénient de la pédale analogique :

  • Son authentique et côté vintage.
  • Ne détériore pas la qualité du signal numériquement.

Avantages et inconvénient de la pédale numérique :

  • Prix inférieur pour des fonctionnalités plus avancées.
  • Permet de coupler plusieurs effets dans une seule unique pédale.
  • Possibilité de mémoriser plusieurs réglages.

Personnellement, j’adore l’aspect vintage de la bonne vieille pédale analogique. Il est même possible de trouver des pédales à lampe, pour donner encore plus de couleur à votre son. Certaines sont devenues incontournables et mythique comme la pédale whammy de wah-wah, le zoom g2 ou la série “me” de boss comme la “me-25” ou la “me-70″Mais niveau pratique et accès à des sons aussi riches que variés, la pédale numérique notamment sous sa forme de multi-effet est incroyable et vraiment amusante !

Les multi-effets, une pédale contenant pleins d’effets

Grâce au numérique, il est devenu possible de mélanger plusieurs effets dans une pédale. Imaginez, une pédale un peu plus large avec un écran, permettant d’obtenir une centaine d’effets différents, avec la possibilité de les mélanger comme vous le désirez et contenant déjà une banque de données pré-configurées (presets) permettant d’avoir en un clin d’oeil le son de vos artistes préférés ? Le tout, avec la commodité du bord : un accordeur intégré, un métronome et même une boite à rythme simulant une batterie. Avec ce type de pédale, vous allez vous amuser des mois entiers.

Personnellement, j’aime beaucoup la palette de configurations possibles avec les multi-effets. J’ai un GT8 de boss qui me sert lors des cours en direct pour mettre de la réverbération, de la saturation et d’autres effets pour le plaisir des oreilles. Le tout, contrôlable uniquement avec mes pieds. Vous pouvez passer d’un son saturé à un son clean en un simple mouvement du pied, plutôt pratique en live ou en concert !

Comment brancher une pédale dans ma chaîne du son ?

De base, une pédale d’effet se branche entre la guitare et l’amplificateur. Néanmoins, il est possible de paramétrer des boucles d’effets et de brancher ainsi ces pédales après le pré-amplificateur. Vous pouvez aussi constituer ce qu’on nomme “un rack” de pédales. C’est un assemblement en chaîne, permettant d’obtenir des sons différents grâce à plusieurs pédales assemblées. Si vous avez de nombreuses pédales, vous pourrez les placer dans un pedalboard, une malette vous permettant de placer vos chéries comme bon vous semble et de les transporter facilement. Pour ceux qui aiment varier, vous pouvez aussi essayer le branchement de la méthode des 4 câbles.

Un pédalboard contenant une pédale de distortion, compression et reverbération.
Un magnifique pédalboard bien rangé, c’est un excellent cadeau pour un guitariste. L’ordre d’assemblage est logique mais rien ne vous empêche à faire des expérimentations.

Les différents sons et effets des pédales

Vous vous en doutez, les ingénieurs et électroniciens se sont amusés à créer des pédales permettant d’obtenir des sons et des effets de dingue ! Sachez qu’il est possible pour vous d’assembler une pédale à la maison en achetant un kit neuf ou d’occasion pour créer et faire sa pédale soi-même.

La saturation : distortion, fuzz et overdrive

Vous aimez les sons saturés ou désirez créer un beau crunch sur votre son ? Ces pédales sont faites pour vous !

  • l’overdrive vous permettra d’atteindre une saturation propre et puissance, ou de donner un crunch à votre son.
  • la distortion est faite pour les fans de metal, elle permet de saturer votre son et d’apporter une couleur particulière.
  • La pédale fuzz est particulière, imaginez une distortion très baveuse et poussée à l’extrême ? La pédale Big Muff en est une référence, à tester absolument !

L’écho : réverbération et delay

Vous avez envie de faire de jolis solos de guitare ? Ne cherchez pas plus loin, ces effets sont faits pour vous :

  • la réverbération vous donnera la sensation de jouer dans une église par exemple. Vous pouvez régler l’intensité de cet effet avec le mix, la durée ou la profondeur par exemple.
  • Le delay donnera une sensation d’écho. En jouant, le son va se répéter plusieurs fois et de moins en moins fort.

Ces deux effets se mélangent parfaitement, je vous recommande d’en mettre peu, c’est cela qui vous permettra d’obtenir un joli son. “less is better” comme dirait l’autre.

Pour configurer le son : compresseur et égaliseur

Vous trouvez que votre son est trop chargé en basse ou en son aigus ? Avec une pédale EQ ou “equalizer”, vous allez pouvoir agir sur les différentes fréquences du spectre du signal de votre son en boostant les basses, creusant les médium et coupant les aigus par exemple. Il existe sous deux formes :

  • L’égaliseur à bandes qui vous permet de régler précisément chaque plage de fréquences.
  • L’EQ paramétrique qui vous permet de creuser grâce à l’amplitude (Q) sur des plages de fréquences déterminées.

Le compresseur, lui, permettra de compresser votre son et lui donner plus d’impacte et de présence.

Pour improviser, la pédale loop

Jouez 4 accords de guitare, appuyez sur votre pédale et laissez là jouer à votre place pour pouvoir jouer de la guitare par dessus ce que vous venez d’enregistrer. C’est ce que propose la pédale loop. Si vous adorez improviser en solo et en live, cette pédale vous permettra de bien vous amuser. Le principe est simple :

  1. Activez votre pédale et jouez 4 accords ou plus.
  2. Appuyez à nouveau dessus.
  3. La pédale a enregistré le son et va le faire boucler.
  4. Amusez vous en improvisant par dessus !

Les effets incontournables : flanger, chorus, vibrato et phaser

Des effets particuliers hors saturation est écho on fait leur apparition et permettent d’effectuer des expérimentations assez particulières dans vos compositions, j’ai nommé :

  • Le flanger, souvent surnommé “l’aspirateur”. La pédale écoute votre son et ajoute des perturbations de temps et de fréquences. Vous avez l’impression que le son se tort dans tous les sens et que votre guitare et doublée (non pas comme dans un octaver qui reprend votre son en rajoutant une octave au dessus ou en dessous).
  • Le chorus vous donne une sensation similaire au flanger. C’est un des effets les plus connus, mais plus harmonieux que le flanger.
  • Le phaser va faire varier votre signal en le mélangeant avec un autre signal retardé selon plusieurs fréquences, vous donnant l’impression que votre son comporte plusieurs phases, une futur et une passée par rapport à ce que vous venez de jouer.
  • Le vibrato : un effet assez original qui va faire onduler votre son à la manière d’un vibrato que vous réalisez normalement à la main

Les pédales d’expression : wah-wah et pitch shifter

Certaines pédales vont faire varier leur son en fonction de votre action sur l’inclinaison de la pédale via la pédale d’expression. C’est le cas de ces deux pédales :

  • La pitch schifter va “pitcher” votre son en l’envoyant dans la stratosphère des aigus. Elle permet d’augmenter ou de diminuer de plusieurs octave votre son à la guitare d’un simple mouvement de pied.
  • La wah-wah est sûrement l’effet le plus populaire, notamment utilisé par Hendrix ou Dimebag Darrel ! La fameuse Crybabyy de Dunlop est la référence à avoir. C’est un filtre passe-bande que vous pouvez contrôler avec votre pied. Si la pédale est baisée, les aigus sont mis en avant. Si elle est basse, ce seront les graves, créant un son “wah-wah”

Les pédales outils : accordeur ou noise gate

D’autres pédales vous aideront dans votre confort de jeu :

  • La pédale tuner ou accordeur vous permet d’accorder votre guitare.
  • La noise gate est très intéressante, elle va supprimer tous les bruits qui ne dépassent pas un certain volume. Du coup, vous allez pouvoir jouer sans vous inquiéter des bruits parasites.
  • Une pédale de volume permet de contrôler le volume (logique)
  • Une pédale boite à rythme permet d’utiliser des rythmes de batterie qui sont pré-enregistrés

Conclusion : est-on obligé d’avoir une pédale ?

Absolument pas, vous pouvez très bien jouer avec les sons de votre amplificateur sans avoir à acheter une guitare. J’ai acheté à mes débuts une pédale de distortion et je l’ai regretté. Ensuite, j’ai acheté un multi-effets et je l’ai regretté. C’était simplement parce que je n’avais pas assez d’expérience pour comprendre leur utilité. Aujourd’hui, je ré-utilise ces pédales pour travailler mon son. Cela ne m’a jamais freiné dans mon apprentissage ou dans ma pratique de l’instrument durant toutes ces années. Tout dépend si vous en éprouvez l’intérêt pour vous amuser à créer votre son où pour le simple plaisir de s’éclater.

Comment apprendre à jouer de la guitare manouche et gitane ?

Photo de Django Reinhardt, un as de la guitare jazz manouche avec une de ses guitare préférée, photo en noir et blanc.

La guitare manouche et gitane intrigue de plus en plus ! Saviez-vous qu’il existe des techniques très typiques à utiliser pour savoir jouer de la guitare manouche ? Vous vous en doutez, elles sont assez proche du jazz et la sonorité est atypique. Mais alors, quelle guitare utiliser pour jouer du jazz manouche ? Et aussi, quels sont les accords, techniques et règles qui permettent d’apporter leur son si particulier ? On vous dit tout dans ce cours d’initiation à la guitare gitane.

L’origine du style

La guitare tzigane rejoint le jazz gitan suite au travail mutuel de Django Reinhardt et Stéphane Grappelli. Concrètement, c’est un mélange de swing, de musette et de musique tzigane. Ce style porte aussi le nom de “jazz manouche”, avec des rythmes et cadences rapides. Généralement ce groupe de musicien est composé de plusieurs guitares et de violons. C’est un style difficile à aborder part sa technicité qui demande des compétences de soliste. C’est dans les années 70 qu’il a commencé à rencontrer un succès important. Si vous voulez entendre d’autres morceaux de ce style, je vous recommande bien entendu Django, mais aussi le Rosenberg Trio ou Stéphane Wrembel qui sont des pointures du genre.

Vous pouvez vous poser une question très intéressante. Quelle est la différence entre manouche, gitan et tzigane ? Ici, nous mélangerons les termes dans un but de définition musicale des styles pour ne pas complexifier les mouvements.

  • Les Tziganes sont tous les peuples qui parcourent le monde et proviennent majoritairement d’Inde et même d’Egypte.
  • Les Tziganes étaient nomades. Ceux qui se posent pour devenir sédentaires sont les Gitans, notamment en Espagne. Ils sont fortement influencés par le Flamenco.
  • Les “Man houches” ou Manouches et les Sinti proviennent des pays de l’Europe de l’ouest mais d’origine Indienne. C’était le cas de Django Reinhart pour la guitare ou le cirque Zavata par exemple.
  • Les Roms sont donc des Man houches qui proviennent de Roumanie, Hongrie ou Bulgarie par exemple. Ils peuvent être divisés aussi en fonction de leur coeur d’activité. Par exemple, on parlera de Rom Chalderas (chaudronniers) car leur métier réside dans la fabrication de gouttières.
  • Les Yéniches sont un groupe éthnique Européen.

Voici pour les différences à quelques détails, les mouvements musicaux sont donc différents en fonction des origines, mais les techniques sont communes.

Quelle type de guitare acoustique pour jouer du manouche ?

Vous avez envie d’essayer le style Gipsy ? Sachez qu’avant d’aborder toutes les techniques, il vous faut une guitare adaptée ! N’ayez crainte, vous pourrez quand même travailler sur une guitare acoustique folk, classique ou électrique. Moi même n’ayant pas une guitare gitane, je travaille mes morceaux sur une guitare classique.

Ainsi, la guitare spécifique pour jouer du jazz manouche est un mélange étrange entre une guitare folk et une guitare classique :

  • Le manche est plus fin qu’une guitare folk.
  • Les cordes sont épaisses et en métal.
  • La bouche présente sur le corps de la guitare peut être petite ou grande.
  • La rosace est généralement en forme de D.
  • Le chevalet est la plupart du temps flottant.

Ainsi, à l’inverse de la guitare classique qui a des cordes aigus en nylon, la guitare pour jouer du manouche en comporte en métal.

Une guitare jazz manouche avec une petite bouche qui différencie des guitare folk ou classique.
La guitare idéale pour commencer le jazz manouche et faire ses premières rythmiques.

Comment jouer de la guitare gitane ou manouche ?

Voici un cours rapide sur les différentes techniques de guitare manouche. La vitesse est un facteur important qui vous permettra de donner plus de mouvement. Commencez lentement pour avoir un jeu propre et une rythmique impeccable.

Les techniques de jeu

Vous vous en doutez, l’apprentissage de la guitare manouche demande déjà de nombreuses bases à la guitare. Si vous connaissez les principaux effets et techniques de guitare et que lire une tablature n’a plus de secrets pour vous, vous serez au top ! Sinon, suivez nos cours de guitare qui donnent des résultats explosifs avant d’aborder ce sujet. Prenez votre médiator, ça va swinguer !

Le pompe jazz manouche

Pour tous ceux qui désirent débuter le style gitan à la guitare, le pompe constitue le principale exercice et même la base que vous pourrez modifier par la suite. Prenons une guitare rythmique qui va jouer des accords. En réalité, vous allez simuler le rôle d’une batterie sur le jeu de vos accords. Il existe plusieurs types de pompe.

Le pompe swing

On pourrait le définir comme un swingué en 4 temps. Vous alternez des mouvements du type :

  • Un coup vers le bas sur les grosse cordes afin de simuler le placement de la grosse caisse, suivi d’un silence (croches pointée avec un quart de soupir).
  • Votre main remonte sans toucher les cordes.
  • Ensuite un coup vers le bas, (croches pointées).
  • Un revers de médiator pour le charleston en bloquant toutes les cordes. en swingué (double croche).

Vous avez la un rythme de 2 temps à répéter deux fois. Le but est de donner un mouvement et du rythme en jouant la partie rythmique de la guitare. Comme d’habitude, travaillez le mouvement lentement avec un métronome et augmentez progressivement. Pour créer les silences, vous devez simplement lever les doigts de votre accord. Vous créer le son étouffé, vous devez simplement poser votre main côté manche sur les cordes, sans appuyer.

Le pompe droit

Si vous arrêtez de swinguer ce mouvement en jouant cette fameuses double croche avec des cordes bloquées, vous obtenez un pompe droit. Le mouvement devient donc :

  • Attaquer les grosses cordes vers le bas avec un léger silence en soulevant les doigts.
  • Attaquer toutes les cordes avec là aussi un silence à la fin du temps.

Du coup, vous pouvez enchaîner des croches pointées suivies d’un quart de soupire pour jouer du pompe droit.

Le compas et sa différence avec le pompe

Le compas va apporter un mouvement percussif affirmé avec l’ajout la frappe de la main contre la guitare tout en optimisant le sens d’attaque de la main. Ce mouvement se décompose en 4 gestes :

  • Attaquez le corps de la guitare avec votre main ouverte par dessus les cordes.
  • Revenez avec votre index sur les cordes qui composent votre accord.
  • Attaquez vers le bas avec votre index.
  • Revenez avec le pouce vers le haut.

Le mouvement percussif peut aussi se faire avec les cordes bloquées. Dans ce cas c’est le pouce qui effectuera l’attaque vers le bas. Vous pouvez ensuite retrouver d’autres mouvements que vous retrouverez dans nos cours avancés de guitare gitane, notamment sur la rumba gitane.

Les accords les plus utilisés en guitare manouche

Nous favorisons les accords chargés en en basses en évitant les mineurs et majeurs. Une dominante en accords septièmes ou sixièmes mineure est très importante. Ajoutez à cela quelques diminués ou demi-diminués et vous avez la recette pour obtenir la bonne sonorité. Bien entendu, comme pour les plans de blues, vous retrouverez quelques enchaînements typiques au travers de grille d’accords.

 

 

Quel médiator choisir pour débuter la guitare ?

Plusieurs médiators de couleurs différentes pour les débutants.

Qu’est ce que le médiator ?

Par définition, le médiator qui aussi appelé sous les synonymes de plectre ou plectrum, est un petit bout de plastique, metal, bois ou même os de forme triangulaire permettant de gratter ou d’attaquer les cordes d’un instrument à cordes comme la guitare. Il est très utilisé à la guitare électrique mais aussi à la guitare acoustique. Son prix peut varier de 20 centimes à plusieurs centaines d’euros.

Quelle est l’utilité d’un médiator ?

En attaquant les cordes de votre guitare, vous avez le choix entre l’attaque aux doigts ou au médiator. Les doigts permettent d’apporter plus de douceur au jeu tandis que le plectre apporte une attaque plus présente avec un jeu plus “brillant”. Comme il est utilisé dans les instruments à cordes, vous pouvez jouer les cordes d’une guitare mais aussi d’un banjo ou d’un mandoline, apportant ainsi une plus grande vibration des cordes et l’apparition de certaines techniques comme les harmoniques artificielles.

Bien entendu, vous pouvez jouer de la guitare sans médiator. Pourtant, vous rencontrerez un jour un morceau qui vous donne envie et qui doit se jouer avec un plectre. Je vous conseille donc de jouer au doigt et de travailler aussi le jeu au médiator. Nous vous expliquons comment le tenir et attaquer les cordes dans nos cours.

Quelle épaisseur et matière pour un plectre ?

L’épaisseur d’un médiator est comprise entre 0,2 mm à 2 cm. Sa dureté va définir aussi sa souplesse et son impacte sur le son. Ainsi, un médiator fin sera bien plus souple qu’un médiator épais. La matière principalement utilisée est le plastique. Néanmoins, d’excellents artisans réalisent des médiators de qualité dans d’autres matières comme la corne, l’os, les écaille ou le métal.

  • Plastique : le médiator de base, avec du plastique de type Delrin, ou celluloïd. Ce sont les plus abordables et polyvalent. Plutôt fragiles, ils ont tendance à glisser entre les doigts avec la transpiration. Ils sont achetables à l’unité ou par boîte.
  • Bois : le bois permet une attaque plus ronde des cordes. Délivrant des sonorités chaudes et veloutées idéales pour le Jazz et les mélodies proches. De par la diversité des bois utilisables, les sons produits par ces médiators peuvent grandement varier.
  • Métal : très résistants, ils provoquent des sonorités très claires et brillantes. On peut en trouver en inox, laiton, bronze, argent, et même en or. Idéal pour le heavy métal, ils usent cependant plus facilement les cordes de votre guitare.
  • Corne : offrant des sonorités moelleuses et un bon compromis entre rigidité et résistance, les médiators en corne sont idéals pour le jeu rapide funk et bluesy. Ils permettent une attaque dynamique et un grand confort d’utilisation.
  • Os : résistant, rigide et générant de belles tonalités, les médiators en corne sont la meilleure alternative à ce jour aux plectres en écaille de tortue. Ces médiators sont parfaits pour jouer du Rock et ses variantes plus ou moins hard.
  • Ecaille de Tortue : leur fabrication a été interdite vers le milieu des années 70. Les médiators en écaille de tortue de mer étaient connus pour leur très grande rigidité, leur durabilité (on pouvait le garder des années!) et leur tonalité très riche et complexe.

Les pointes peuvent elles aussi êtres différentes comme avec du diamant. Ils peuvent aussi être recouvert d’un antidérapant, d’un anti glisse ou même êtres personnalisés avec des médiators à graver ou à personnaliser à l’unité.

Quel médiator pour quelle guitare ?

Voici quelques indications en fonction de votre utilisation et de votre guitare. Que ce soit pour des solos ou de la rythmique, certains médiators sont plus intéressants ! Le feeling reste néanmoins le meilleur critère qui vous permettra de choisir le bon médiator. Le fait de le tenir en sentant un maintient confortable, sa réaction aux cordes et le rendu sonore vous permettra de faire le bon choix. Il n’est pas rare d’en tester une bonne trentaine avant de trouver le bon.

Quel médiator pour guitare électrique ?

Personnellement, j’utilise des médiators Jazz III. Ce sont d’excellents plectres de 1 mm. Je les utilises pour avoir un son tranchant et faire ressortir mes solos. Puis, quand l’occasion se présente, j’utilise ceux de mon ami Riki le plectrier qui fait un travail formidable. D’ordre général, on utilisera un médiator épais pour faire un solo et un médiator souple pour jouer des rythmiques pop-rock par exemple.

Un guitariste tenant un médiator de guitare qu'il vient de choisir pour jouer avec sa guitare acoustique.
Choisir le bon médiator vous permettra d’améliorer votre qualité de jeu et votre attaque des cordes.

Le meilleurs médiator pour une guitare acoustique ?

Il est rare de faire un solo de guitare sur une acoustique folk. Par contre, en guitare manouche qui s’apparente en partie à la guitare classique, le médiator est très utilisé. Sur une guitare folk, préférez un plectre fin et donc souple. Si vous jouez des solos sur une classique, utilisez un médiator plus épais.

Si vous cherchez à acheter un beau médiator personnalisé ou originale, je ne peux que vous conseiller de visiter cette très belle boutique. Vous obtiendrez un son bien plus particulier ! N’oubliez pas d’acheter un porte médiator si vous vous déplacez souvent, cela vous évitera de les perdre sur la route ou dans votre guitare et de passer des heures à essayer de le ressortir.

Nos conseils pour tester et faire son choix sur le bon médiator

Tout comme une guitare, l’esthétique est un point important. En effet, avoir un beau médiator vous donnera sûrement l’envie de jouer plus souvent, surtout si ce dernier est confortable et facile à utiliser. Pour tester ce petit bout triangulaire de plastique (ou d’une autre matière). Si vous débutez totalement, prenez un lot de 10 médiators avec des souplesses différentes pour tester selon le conseil du vendeur dans le magasin de musique.

  1. Prenez le médiator que vous voulez acheter, ainsi que votre ancien, un plus dur et un plus souple.
  2. Jouez de la rythmique puis du solo.
  3. En fonction de votre test, choisissez plus dur ou plus souple.
  4. Posez vous aussi les questions suivantes : “Est-il trop petit ? Trop grand ? Ne glisse t-il pas ?”

Prenez le temps aussi d’écouter les modifications que cela crée sur le son. Pour tenir votre médiator, soyez toujours détendu et ne vous crispez pas ! Après cela vous pouvez venir tester nos exercices pour gagner de la vitesse au médiator.

 

Comment tenir sa guitare avec la meilleure position de jeu ?

4 positions pour tenir votre guitare

Vous vous demandez sûrement comment bien tenir votre guitare acoustique ou électrique en étant assis ? Nous allons vous expliquer toutes les possibilités pour voir une bonne position au niveau de vos mains , vos bras et votre dos.

Pourquoi devez vous bien tenir votre guitare en position assise ?

Il est absolument fondamental d’avoir une bonne position pour jouer de la guitare. Votre posture vous évitera de vous blesser et d’optimiser le placement de vos doigts sur le manche.

L’intérêt d’être assis et non debout

La position pour jouer debout est utilisée lors des concerts. Dans une phase d’apprentissage, il sera plus intéressant de pratiquer assis afin de vous permettre de mieux vous concentrer. Néanmoins, si vous avez un travail assez sédentaire comment moi en étant assis derrière un bureau presque toute la journée (afin de vous préparer de jolis articles pédagogiques 🙂 ), jouer debout est une alternative intéressante mais plus fatiguant. Pensez à avoir votre clavier d’ordinateur ou tablette au même niveau que vous pour éviter de vous abaissez souvent. Une guitare pèse plusieurs kilos et des mouvements incessant pour passer d’un exercice à un autre augmente le risque de faire un faux mouvement. Ainsi, jouer assis plutôt que debout vous permet :

  • de limiter les risques de blessures et de nombreuses douleurs telles que le mal de dos en haut et en bas du dos, les trapèzes, le coin des omoplates ou épaules douloureuses ou même un mal de poignet.
  • d’optimiser votre aisance au niveau du jeu de la guitare. Vos déplacements seront plus rapides et vous réussirez bien plus facilement à faire vos accords sans bloquer vos cordes.
  • une meilleure concentration, vous permettant de jouer aussi plus longtemps en vous fatiguant moins.

Il existe néanmoins plusieurs positions pour tenir la guitare en étant assis. Au travers de ce cours, il est important de différencier la position pour un guitariste gaucher et un guitariste droitier. Si vous avez une guitare de droitier, lisez ce tutoriel sans avoir à modifier quoi que ce soit. Si vous cherchez à tenir correctement une guitare de gaucher, il suffira simplement d’inverser les sens 🙂

La position idéale pour apprendre et pratiquer

Que vous jouez de la guitare électrique, classique ou folk, vous pouvez utiliser ces différentes positions en prenant soin de vérifier qu’il n’y a pas de tensions crées dans votre corps et que vous vous sentez à l’aise. Bien entendu, il vous faudra un léger temps d’adaptation.

La position classique assise

Cette position est celle enseignée lorsque vous commencer à jouer de la guitare classique. La guitare se trouve entre les jambes. Le creux de votre instrument est en appui sur votre jambe gauche. Bien qu’enseignée dans les écoles de musique classiques en tant que position fondamentale et traditionnelle, cette positon n’est pas forcément la meilleure. Il n’y a pas de meilleure position entre celle ci et la suivante que je vais vous présenter. Il y a des avantages et inconvénients à chacune d’elles et vous devez choisir celle où vous vous sentez le/la plus à l’aise. Ses avantages sont les suivants :

  • le poids de la guitare est réparti sur différents points de votre corps, évitant de vous couper la circulation.
  • le manche est plus accessible et vous permet d’avoir plus d’amplitude.
  • votre dos sera droit et vous éviterez de vous courber.

Par contre, cette position demande de la place, il est possible que votre bras gauche fatigue plus rapidement car la circulation du sang se fait moins facilement et l’action de regarder où vous avez placé vos doigts vous force à tirer la nuque vers l’avant.

Un guitariste assis sur un tabouret tenant la guitare en position classique
Position pour tenir une guitare classique ou folk en étant assis.
Guitariste tenant se guitare électrique en position assise
Cette position fonctionne aussi pour la guitare électrique, il suffit de caler la guitare contre le creux de la jambe et de tenir l’arrière avec l’autre jambe.

La position standard ou moderne

Dans cette position plus décontractée, votre guitare va être placée sur votre cuisse droite et le manche sera légèrement orienté à 45 degrés vers le plafond. Cette façon de tenir une guitare est très répandue dans le domaine de la guitare folk et électrique. Votre guitare a plus de libertés et vous aussi. Vous pouvez donc y accentuer les réussites comme les erreurs de guitariste. Par exemple :

  • vous pouvez voir bien plus facilement où vous placez vos doigts sur le manche de la guitare mais vous risquez vous cambrer et vous faire mal au dos.
  • le style est bien plus cool, mais le poids de la guitare peut vous couper la circulation de votre sang et vous endormir la jambe. Je ne vous raconte pas le nombre de fois où je me suis retrouvé avec des fourmis dans la jambe qui porte la guitare !
  • pour faire des techniques comme du fingerpicking avec de la percussion comme Andy Mckee, c’est bien plus facile !

Là aussi, je vous recommande de faire des tests pour savoir quelles est la meilleure position pour tenir la guitare. Personnellement, j’ai débuté avec cette position en relevant un peu le manche. D’autres jouent avec le manche parallèle au sol. J’ai ensuite appris la suivante et j’alterne entre les deux, la première me paraissant plus raisonnable au niveau d’un potentiel mal de dos.

Un professeur de guitare tenant la guitare sur sa jambe droite en étant assis sur un tabouret
Je me suis volontairement décalé un peu sur le côté dans cette positon assise. Le manche est à un angle de 45 degrés.
Professeur de guitare tenant un manche de guitare
La position la plus populaire pour la guitare électrique est la suivante, inclinez légèrement le manche et le corps de la guitare.

Des accessoires pour vous aider à tenir la guitare

Vous avez peur que votre guitare vous échappe et avez du mal à la tenir contre vous ? Voici quelques idées d’accessoires qui vous permettront de faciliter la prise en main de votre six cordes et améliorer sa stabilité.

Comment surélever le pied ?

Je vous encourage à surélever la jambe qui porte la guitare. Pour cela, vous pouvez acheter un repos pied dans un magasin de musique. L’utiliser a changé ma vie, me permettant d’avoir une meilleure posture, d’éviter ainsi d’avoir mal au dos en jouant de la guitare et en évitant d’avoir la jambe ankylosée. Vous pouvez aussi poser votre pied sur une pile de livre par exemple. Quelques bons vieux dictionnaires feront l’affaire.

L’importance de la sangle

Vous avez la sensation que votre guitare vous glisse et et vous avez peur de la faire tomber ? Il est temps d’utiliser une sangle de guitare. Il en existe de toutes les sortes. En tissu, en cuir, matelassées ou non. Je vous conseille d’un prendre une ajustable avec un coussin pour l’épaule présent dans la courroie elle même. Elle vous permettra de plaquer facilement l’instrument et de le maintenir contre vous tout en soulageant le poids de la guitare sur votre jambe.

Une chaise ou un siège adapté

Vous jouez de la guitare sur le siège de votre salon ? Prenez donc un siège avec un dossier rigide. Il existe des chaises spécialisées pour les guitaristes sous la forme de tabourets. Vous pouvez là aussi les acheter dans des magasins de musique. Évitez donc de vous affaler dans votre canapé si doux et moelleux même si c’est tentant afin d’éviter de développer une mauvaise posture.

Comment positionner le dos ?

Je reviens sur ce point qui est d’une importance capitale. Votre dos et votre cou/nuque risquent de vous faire souffrir si vous forcez votre position. Quoi qu’il se passe, vous devez garder le dos bien droit sans forcer. Il est idéale de se dire “à chaque fois que je vais regarder le manche de la guitare, je dois vérifier que je garde ensuite le dos droit”. Prenez aussi le temps de vous poser la question suivante “Ai-je des blocages ou tensions dans le corps qui m’empêchent de jouer correctement et qui me font mal ?”. Si oui, prenez le temps de ré-étudier votre position et de vous redresser.

En cas de douleurs, un kiné ou un ostéopathe peut être consulté. Ils ont l’habitude de rencontrer des musiciens. Certains médecins sont mêmes spécialisés dans le soin des troubles liés au jeu d’un instrument de musique. Ils seront là les meilleurs experts pour vous permettre d’améliorer votre position et d’éviter de vous blesser à nouveau en répétant les mêmes erreurs. Je consulte un ostéopathe chaque année pour vérifier cela. Entre le sport, la musique et le travail, il est évident qu’il y a de petits ajustements à faire au niveau du corps, ça ne peut que vous faire du bien !

Quel est le prix d’un cours de guitare ?

Argent dans la poche d'un professeur de guitare.

D’après vous, combien coûte un cours de guitare débutant avec un professeur particulier ? Et en école de musique, quel est le tarif pour apprendre ou se perfectionner lors d’un cours ? Où peut-on trouver le meilleur prix pour un cours de musique ? L’offre des cours particuliers individuels, en communs ou en ligne a un certain prix. Il est certain que vous ne savez pas où donner de la tête si le magasin de musique de votre ville vous propose 20€ euros pour une heure alors que votre ami à domicile vous en demande 5€. Quelle est donc la véritable valeur d’un cours de guitare, le tarif et aussi le salaire d’un professeur ?

Où apprendre la guitare et à quel tarif ?

Les cours individuels

Vous avez le choix entre différentes possibilités et structures :

  • Aller chez un professeur particulier ou le faire venir à votre domicile : si votre professeur est un travailleur honnête et déclaré, il devrait vous proposer entre 25 et 50 euros de l’heure. Vous avez le choix d’avoir un apprentissage particulier avec un bon suivi de votre progression. Votre professeur saura ce que vous voulez jouer et vous proposera un programme d’apprentissage de votre instrument en fonction de vos goûts et envies.
  • Suivre des cours de guitare sur internet : Hélas vous serez seul derrière votre écran d’ordinateur et incapable de savoir si vous jouez juste ou faux. Fort heureusement, grâce à notre innovation pédagogique reconnue mondialement, vous pouvez apprendre la guitare en ligne en étant corrigé automatiquement !
  • Avoir un professeur par skype : ce dernier peut vous proposer un cours de guitare par webcam. Les prix sont légèrement inférieurs à ceux des professeurs particuliers

Pour vous donner une idée, la moyenne d’un prix de guitare sur Paris est de 40€, alors que c’est plutôt 25€ sur Nancy !

20 euros dans une malle d'un professeur de guitare, le prix à payer pour un cours individuel en moyenne.
Quel est le coût d’un cours de guitare en moyenne ? Combien coûte un professeur de musique à l’année ?

Les écoles de musique et conservatoires

Ces structures proposent un mix entre cours individuels et cours collectifs. Le solfège est souvent appris en classe, alors que la pratique se fait avec un ou deux musiciens.

  • Apprendre dans une école de musique ou un conservatoire : L’apprentissage y est plus contraignant car majoritairement classique. Comptez encore une année de solfège obligatoire avant de toucher à votre instrument. Pour nous, cela n’a absolument aucun sens. Dans notre école de musique en ligne, nous vous faisons apprendre votre premier morceau de guitare en moins de 15 minutes. L’apprentissage est lié à la pratique contrairement à ce que les professeurs de conservatoire proposent. Bien entendu, cela diffère entre les villes et les professeurs. Vous avez l’avantage de pouvoir obtenir un diplôme reconnu par l’état. Personnellement, je n’ai aucun diplôme. Pourtant, je suis reconnue comme un des meilleurs pédagogue et professeur de guitare francophone. Votre ambition n’a de limite qu’à votre travail 🙂 Comptez entre 120€ et 800€ euros par an en fonction de l’école.
  • Les associations : une très belle initiative avec les MJC pour pouvoir apprendre la guitare. Le prix peut aller de la simple cotisation à 20€ l’année à plusieurs centaines d’euros. L’inconvénient est la diversité de l’enseignement qui est proposé. Il est rare que ces cours soient individuels. Ils sont plutôt collectifs et la régularité et le sérieux dépend du professeur. Renseignez-vous auprès des élèves pour voir si l’enseignant peut vous correspondre ainsi que les horaires.

Quelle est la durée moyenne d’un cours ?

Le débat d’un professeur proposant un cours d’une demi-heure face à un autre qui propose une heure n’a pas de sens. Cela dépend de la ponctualité commune et de l’efficacité du professeur. En une demi-heure, vous avez le temps de découvrir de nouvelles choses et de corriger vos erreurs. En une heure, vous pouvez approfondir énormément d’éléments avec un aspect plus détendu et récréatif comme l’apprentissage d’un autre morceau qui vous tient à coeur en plus de la méthode de travail proposée par le pédagogue.

La durée moyenne d’un cours est de 45 minutes par semaine, permettant à l’enseignant d’explorer avec vous votre travail effectué pendant la semaine et de vous donner quelques devoirs à travailler. Le professeur de musique n’est pas un magicien, il vous donne des pistes et applique une méthodologie, il vous transfère du savoir. À vous de travailler ensuite durant la semaine pour mettre en pratique ce qu’il vous a enseigné.

Est-ce que le niveau du cours peut influencer sur le prix ?

Affirmatif. L’explication est très simple, le talent est rare et la rareté a un prix. Si vous prenez un cours de guitare avec le professeur du coin qui n’a pas de notoriété (mais qui peut être un bien meilleur pédagogue qu’un grand guitariste), vous trouverez des tarifs abordables. Par contre, tout le monde a envie de prendre un cours avec Satriani (un des meilleurs guitariste du monde). La demande est très forte et lui seul pourrait accepter ou non. Ainsi, le tarif risque d’être explosif.

Il en est de même pour les professeurs plus expérimentés dans un style ou l’autre : il est fort possible qu’un cours d’approfondissement sur une technique comme le fingerpicking ou le fingerstyle demande un savoir, des connaissances et énormément de travail de la part du professeur. Si vous voulez un cours de haut niveau et de qualité, le prix peut être vu à la hausse. Attention aux beaux-parleurs qui vous vendraient du rêve ! C’est d’ailleurs pour cela que lorsqu’un grand guitariste intervient pour faire une masterclasse, le prix du billet est d’environs 20 à 50€ par personne avec en moyenne une trentaine d’élèves.

Prendre des cours de guitare en ligne en plus d’un professeur

Vous êtes en droit de vous demander “Est-ce suffisant d’apprendre la guitare uniquement sur internet et sans professeur ?”. Avec les technologies actuelles que nous proposons, la réponse est oui. Mais bien entendu, il faudra travailler et bien suivre les conseils expliqués sur les vidéos et tout le long de la méthode d’apprentissage. Si vous pensez jouer faux, notre application vous dira automatiquement comment corriger cette erreur. Si vous vous sentez seul derrière votre écran, vous pourrez échanger avec tous les autres élèves via le tchat et même poser vos questions au professeur lors du cours en direct live. Cet apprentissage peut d’ailleurs parfaitement convenir en complément d’un véritable professeur qui pourra ainsi utiliser la méthode MyMusicTeacher en tant que support en vous donnant quelques exercices à effectuer.

Combien se rémunère un professeur de guitare ?

Un professeur de guitare indépendant a assurément le statut d’auto-entrepreneur. Il est considéré comme un prestataire de services et aura en moyenne 25% de charges. Ainsi, admettons que vous payez votre cours de guitare 30€ de l’heure :

  • Votre professeur payera 25% de charges, soit 7,50€, il lui reste donc 22,50€
  • Sur l’argent restant, il préparera le cours en amont, environ 15 minutes par heure de cours, il n’est donc plus que payé 18€de l’heure.
  • À cela s’ajoute les frais d’essence, de déplacement, l’électricité, le local à payer et même les partitions et tablatures à imprimer.

Ainsi, ne pensez jamais que votre professeur qui vous propose 30€de l’heure est un arnaqueur. Bien loin de là, on imagine pas le temps investie dans la préparation ainsi que le coûts de ces petits détails. À l’année, votre professeur vous coûtera donc 30€ X 4 X 12 = 1440€ si vous êtes régulier dans votre apprentissage, pour une heure de cours par semaine. On est bien loin de l’abonnement à 19,90€ par mois proposé par notre école de musique en ligne pour un accès 7 jours sur 7, 24 heures sur 24. Si votre professeur arrive à faire 30 heures de cours par semaine, il gagnera donc vers les 2000€ par mois. Un salaire honnête qui ne compte pas les heures investies pour vous aider et vous délivrer un service de qualité.

En conclusion sur les tarifs des cours de guitare

Le prix des cours dépend énormément de la solution que vous allez utiliser et de ce qui va vous convenir. Il est évident que si vous n’aimez pas la foule, vous préfererez un professeur particulier ou des cours en ligne à l’instar des conservatoires. Si vous avez envie de jouer directement, dès les premiers minutes, je vous encourage à tester gratuitement nos cours. Nous vous laissons le choix, essayez les différentes solutions qui vous entourent. Mais sachez que nous proposons un enseignement très performant et à la pointe de la technologie, alors rejoignez notre école et en plus, faites des économies !

Qu’est ce que le chiffrage et les mesures ?

Image d'un métronome avec le mot chiffrage et mesure

Qu’est ce que le chiffrage ?

Le chiffrage d’une mesure ou de plusieurs mesures est représenté par deux nombres qui se superposent comme dans une fraction. On y retrouve un chiffre en haut (le numérateur) et un chiffre en bas (le dénominateur). Concrètement, il va permettre de définir combien de temps une mesure doit contenir, ni plus, ni moins. Rien de tel qu’un petit cours de musique et de solfège à ce sujet pour se mettre en jambe :

  • Le dénominateur représente la durée d’un symbole rythmique
  • Le numérateur indique le nombre de fois où le symbole rythmique représenté par le dénominateur peut être placé dans une mesure.

Ainsi, le chiffre du bas correspond à une valeur bien particulière :

numérateur (chiffre du haut) symbole rythmique
1 ronde
2 blanche
4 noire
8 croche
16 double croche
32 triple croche
64 quadruple croche

Du coup, une mesure 3/4 informe qu’il y a 3 noires par mesure et donc 3 temps. Une mesure à 6/8 contient 6 croches par mesure.

Les différents types de mesures

Mesures simples

Je vous parlais précédemment de la façon de compter les temps en binaire et en ternaire. C’est ce qui va différencier les mesures simples et mesures composées. Une mesure est simple si chaque temps ou pulsation est divisible en deux moitiés égales. Par exemple, une ronde de 4 temps et divisible par 2, ce qui donnera une blanche de 2 temps et ainsi de suite. En gros, c’est quand une pulsation ne correspond pas à une figure de note non pointée.

Mesures composées

À l’inverse, les mesures composées sont issues du ternaire. Chaque pulsation ou temps est divisible en 3 parts égales. Donc chaque pulsation représente une note pointée. La noire pointée devient donc l’unité de mesure d’un temps de durée. On observe la présence de ronde pointées, blanches pointées, noires pointées et j’en passe. De même pour les figures de silences qui peuvent bien entendu être pointées. Voici donc la principale différence entre une mesure simple binaire et une mesure composée ternaire.

 

Un métronome avec 4/4 et 6/8 avec une partition et tablature en fond.
Les chiffrage 4/4 et 6/8 sont les plus utilisés.

Conséquence sur les chiffrages

Voici un résumé sur les chiffrages possibles et les unités de mesure. Sachez que toutes ne sont pas utilisez et que vous rencontrerez majoritairement des 4/4.

Le chiffrage des mesures simples ou binaires

Unité de temps
ronde blanche noire croche double croche triple croche quadruple croche
mesures à 1 temps 1/1 1/2 1/4 1/8 1/16 1/32 1/64
mesures à 2 temps 2/1 2/2 2/4 2/8 2/16 2/32 2/64
mesures à 3 temps 3/1 3/2 3/4 3/8 3/16 3/32 3/64
mesures à 4 temps 4/1 4/2 4/4 4/8 4/16 4/32 4/64
mesures à 5 temps 5/1 5/2 5/4 5/8 5/16 5/32 5/64

Le chiffrage des mesures composées ou ternaires

Unité de temps
ronde pointée blanche  pointée noire  pointée croche pointée double croche pointée triple croche pointée quadruple croche pointée
mesures à 1 temps 3/2 3/4 3/8 3/16 3/32 3/64 3/128
mesures à 2 temps 6/2 6/4 6/8 6/16 6/32 6/64 6/128
mesures à 3 temps 9/2 9/4 9/8 9/16 9/32 9/64 9/128
mesures à 4 temps 12/2 12/4 12/8 12/16 12/32 12/64 12/128
mesures à 5 temps 15/2 15/4 15/8 15/16 15/32 15/64 15/128

Quelles sont les figures rythmiques et durées des notes ?

Les figures et symboles rythmiques à la guitare et en musique.

Quelles sont les différentes figures rythmiques en musique ? Quelle est la durée de chacune des notes ? Doit-on savoir compter les temps des notes pour jouer de la musique ? Toutes les réponses que vous trouverez ici permettront d’éclaircir votre interprétation de la musique et être dans le rythme ! Le tout, accompagné des bons outils pour progresser.

Les bases pour connaître les figures rythmiques

Avant de parler de binaire et de ternaire, voyons ensemble comment se nomment les différents symboles que vous rencontrez dans une partition ou une tablature.

Les différentes figures de rythme

Voici ce que vous allez rencontrer au sein des mesures qui composent un système avec une portée et introduit par un chiffrage à un tempo donné… Quoi ? Qu’est ce que je viens de dire ? Chez nous, on aime les cours simples, alors voici quelques explications :

  • Le chiffrage, c’est ce qui va déterminer comment vous aller compter les temps et combien il y a de temps dans une mesure. Vous avez sûrement déjà rencontré le 4/4 en début d’une tablature, n’est ce pas ? Le dénominateur (celui du bas) symbolise si la façon de compter les temps est binaire ou ternaire. Le numérateur (celui du haut) symbolise le nombre de temps présents dans la mesure. Cliquez-ici pour apprendre comment compter les temps en musique.
  • Les mesures, c’est un petit conteneur délimité par deux petites barres. Il va contenir un nombre de temps exacte en fonction du chiffrage. Si le chiffrage est 4/4, alors la mesure contiendra exactement 4 temps, ni plus, ni moins.
  • Une portée, c’est simplement la ligne qui contient les mesures.
  • Le tempo, c’est un battement, assez similaire à ceux de votre coeur. Plus il est vite, plus la musique sera rapide. Les musiciens jouent ensemble par dessus ce tempo pour être en rythme. Il est symbolisé par une petite note noire = un chiffrage, par exemple noire = 120, cela veut dire que le tempo sera de 120 pulsations minute (donc un clic/son/bruit toutes les demi-secondes)

Voilà, il n’y a plus qu’à placer les différentes figures rythmiques dans les mesures, voici les durées des notes en binaire (ce qui veut permet de jouer 90% des musiques, nous verrons le ternaire bien plus tard, ne compliquons pas les choses en théorie musicale) :

  • La ronde vaut 4 temps.
  • La blanche = 2 temps.
  • La noire = 1 temps.
  • La croche = 1/2 temps.
  • La double croche = 1/4 de temps.
  • La triple croche = 1/8 de temps.
  • La quadruple vaut… vous l’aurez deviné vous même !

Il suffit simplement de diviser à chaque fois par deux. C’est aussi simple que cela.

Image représentant les différents symboles rythmiques de la plus longue à la plus courte.
Voici les figures rythmiques les plus communes, la ronde, la blanche, la noire, la croche et la double croche.

Les altérations possibles

Bien entendu, vous pouvez modifier la durée de ces notes avec deux petits mots très intéressants, la liaison et les notes pointées.

Les liaisons

Si vous jouez une ronde puis une ronde, vous allez attaquer deux fois la corde de voter guitare en comptant 4 temps puis 4 autres temps. Maintenant, imaginez que vous avez besoin de 8 temps. Vous ne pouvez pas mettre 2 rondes dans une seule mesure, il y aurait trop de temps car je le rappelle, une mesure contient exactement un nombre de temps donnés, ici 4, peu importe le nombre de figures rythmiques (4 noires ou 2 blanches par exemple)

Ainsi, vous allez pouvoir utiliser des liaisons et lier des notes. La première ronde sera liée à la deuxième. Vous aurez juste à attaquer la première note, ce qui donnera une ronde liée à une autre ronde et donc 8 temps.

Les notes pointées

Vous avez sûrement déjà vu un petit point à côté d’une note (et non pas en dessous ce qui veut dire une note piquée, jouée très sèchement). Cela veut dire que la note est pointée. Nous allons donc rajouter la moitié de la durée à cette note. Par exemple, la figure de blanche vaut 2 temps. Si elle est pointée, elle vaudra 2 + la moitié de 2 = 3 temps. Une noire pointée vaut 1 + 1/2 temps, soit 1,5 temps. On peut pointer absolument toutes les notes.

L’équivalent en silence

Le silence est à considérer exactement comme une note. Ce n’est pas parce que la durée équivaut à un moment où il ne faut pas jouer qu’il ne faut pas le respecter. Ainsi, il y a des équivalent aux symboles rythmiques en silence :

  • L’équivalent de la ronde est là pause qui vaut 4 temps.
  • La blanche = la demi-pause à 2 temps.
  • La noire = le soupir à 1 temps.
  • La croche = le demi soupir à 1/2 temps.
  • Puis le quart de soupire, le huitième de soupir et ainsi de suite.

 

Image symbolisant les différentes figures de silence de la plus grandes à la plus petites.
De gauche à droite, la pause, la demi pause, le soupir, le dmei soupir et le quart de soupir.

Vous pouvez très bien pointer ces symboles rythmiques pour augmenter leur durée ! Par convention, on ne lie pas les figures de silence. Je vous laisse ici d’excellents exercices de guitare pour apprendre à jouer des silences. N’oubliez pas de travailler tout cela en tapant du pied ou en utilisant un métronome en ligne simple. Il n’y a pas que la théorie musicale, mais aussi la rigueur de la pratique.