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Où acheter sa guitare, chez un luthier, sur internet ou en magasin ?

où acheter guitare internet ou en magasin de musique

Magasin de musique, brocante, luthier, e-shop, grand distributeur d’instrument.. acheter un instrument de nos joueurs est devenu à la fois très simple et cruellement compliqué. Pourquoi acheter sa guitare plutôt chez l’un que chez l’autre ? Le prix devrait-il vraiment être l’argument central ? Quid des modalités d’essais, les renvois, les conseils, les réparations ? Est-ce mieux d’acheter sa guitare sur internet ou en magasin ?

Acheter sa guitare sur internet ou en magasin : généralité ?

Les arguments sont nombreux de chaque côtés mais difficile d’y voir clair dans la partialité de chacun des acteurs. Les magasins vous diront qu’internet tue le marché, vend des instruments de masse sans âmes, ne vous permet pas de vous faire une réelle idée du toucher de l’instrument.Qu’un formulaire de contact opaque de vaut pas le conseil d’un magasin de musique de proximité.

A celà, internet vous propose des retours gratuits, des délais de livraison court, et des prix parfois pouvant défier toutes concurrences. Pas facile de choisir pour sûr dans ces conditions.

Qu’en est-il des méthodes tierces ? L’achat de guitare d’occasion ? La création sur mesure ou l’obtention d’un modèle signature de luthier ? Quid des jeunes marques de guitare tentant de s’imposer avec des modèles atypiques, abordable mais uniquement disponible sur internet pour des raisons logistiques ? On constate très bien que les implications dépassent le simple cadre du débat ” sur internet ou en magasin “.
 

magasin de musique
Achetez sa guitare en magasin de musique c’est aussi en avoir plein la vue !
 

Détail et implications de chaque mode de vente

  • Magasin de Musique : Souvent de proximité, ce sont les interlocuteurs privilégiés des musiciens. En partenariat avec des écoles de musique ou professeurs particulier locaux, ils sont les premier sollicité en cas d’événement pour fournir du matériel. N”ayez pas peur de demander conseil et rencontrer ces professionnels qui sont là pour vous aiguiller et vous faire essayer des instruments. La théorie malheureusement s’arrête là et l’expérience peut être drastiquement différente d’un établissement à l’autre. Tantôt ouvert tantôt élitiste, les musiciens débutants ont très vite de ne pas se sentir à leur place dans ces établissements. Les magasins de musique lient malheureusement une relation difficile avec les distributeurs qui peuvent infliger des pressions sur le choix du catalogue. Des pressions qui se ressentent ensuite au travers du conseil et qui influencent l’acte d’achat. Acheter sa guitare en magasin c’est la garantie d’être dans de bonnes conditions de tests, mais aussi d’être soumis à la pression de la vente.
  • L’atelier de Lutherie : le spécialiste incontesté de l’acoustique. Le luthier est un artisan expert qui façonne à la main ou via des machines spécialisé ses créations. Que vous vous rendiez dans un atelier pour quelques réglages, une modification ou la création d’un instrument, vous allez devoir accepter d’en payer le prix. La lutherie est un travail exigent et les guitares façonnés sont des pièces uniques qui, contrairement aux guitares industrielles, prennent des mois à être assembler. Respecter le travail des luthiers c’est accepter des temps d’attentes qui contrastent avec l’ère du tout-instantané.
  • Gros distributeur sur Internet : principal concurrent des magasins de musique, les gros distributeurs sur internet sont disruptifs car proposant des prix souvent en deçà de ce que l’on trouve en magasin. Les délais de livraison sont raisonnables et le choix d’instrument colossal. Impossible cependant de tester sa guitare avant le l’acheté. On est alors livré au marketing de la marque, et des vidéos youtube de test à l’édition très subjective.
  • Marques de guitare dématérialisées : de nombreuses marques françaises essaient de se lancer dans le marché en proposant des instruments au design novateur et un prix abordable. Plutôt que d’investir dans un magasin physique, la marque distribue alors d’elle même les instruments via leur site e-commerce. Bien que les problèmes que cela représentent soient les mêmes que pour les gros distributeur, ici la démarche est plus celle de l’artisan luthier voulant s’exporter hors de l’atelier. Quitte à se laisser séduire par le bouche à oreille, au moins vous aurez un instrument assez unique.
  • L’achat d’occasion : en brocante ou par le biais d’un particulier, l’achat d’occasion est une pratique très répandu dans le marché des instruments de musique. Certaines guitares datant des années 1950 (on pense aux premières stratocaster américaines de Fender) sont toujours en circulation. Certaines ayant pris énormément de valeur. Une guitare à la lutherie exemplaire ne peut que se bonifier avec le temps. Un simple changement de mécanique peut parfois faire des merveilles. Il n’est donc pas insensé d’acheter des instruments ayant déjà vécu plutôt que de se lancer sur du neuf.

Les petites adresses de MMT

Avec les informations que vous avez à présent, libre à vous de faire le choix qui vous conduira vers votre futur instrument. Sur MyMusicTeacher, nous travaillons avec une petite liste de magasin de musique, certifié en accord avec nos valeurs. A consulter ici.

Jouer en buté et pincé – différence entre rest stroke et free stroke

Technique de buté ou pincé à la guitare, nommées "free stroke" et "rest stroke"

Avez vous déjà entendu parler du jeu en buté ou en pincé à la guitare ? En anglais, ce sont les “rest stroke” et “free stroke”. Ces deux techniques de jeu aux doigts se différencie par la positon de la main et des doigts après chaque attaque, voyons ensemble les différences, comment les jouer et quelques exercices pour pratiquer cette technique.

Le jeu aux doigts

Dans cette technique, il n’est pas question d’utiliser un médiator. Ce sont vos doigts qui effectueront le travail ! Pour rappel, votre pouce s’occupe normalement de jouer les 3 plus grosses cordes en attaquant du haut vers le bas, puis l’index, le majeur et enfin l’annulaire pour jouer la plus petite corde.

Jouer en pincé : le free stroke

Dans le cas du jeu en pincé, le pincement de la corde est effectué avec la pulpe du doigt ou votre ongle. On respecte toujours la même règle de placement des doigts énumérée au dessus. Votre pouce va rester parallèle à votre cordes, tandis que vos doigts (index, majeur et annulaire) vont venir attaquer en dessous de la corde. Une fois que vos doigts ont attaqué la corde, vous avez simplement à les laisser à proximité de la corde sans les toucher. C’est la technique de base utilisée dans les arpèges. Par la suite, il est possible d’utiliser aussi l’auriculaire dans le flamenco, ce qui donnerait la fameuse technique du “rasgueados“.

Jouer en buté : le rest stroke

La technique est simple. Personnellement je ne l’ai jamais utilisé, préférant le jeu en pincé. Il suffit de pincer la corde, comme dans la technique de base. Puis, votre doigt va venir buter sur la corde suivant. Par exemple : vous jouez la corde de “mi aigu”, votre doigt se posera sur la corde de “si”. L’idée ici est d’obtenir une meilleure distinction entre les notes qui vont être jouées en buté. Si vous aimez le flamenco, là encore, vous pouvez retrouver ce jeu dans la technique du picado.

Il est possible aussi de jouer en double butée. Dans ce cas, le pouce est contraint de jouer plusieurs cordes. Le pouce viendra alors se poser sur la corde suivante une fois que son mouvement terminé. Pour vous donner un exemple : votre pouce attaquera la grosse corde et la corde en dessous (mi et la) et finira en butée, se poser sur la corde de ré.

La position du buté ou pincé ou stroke à la guitare
Un excellent exercice pour travailler votre position de stroke en buté et en pincé.

Quand utiliser le buté ou le pincé ?

Si vous aimez jouer des arpèges à la guitare classique, folk ou électrique, il est fort possible que vous ayez utilisé la technique du pincé. Si vous êtes bassiste, vous avez l’habitude de jouer avec les doigts et jouer avec la technique de la buté. Il y a deux choses qui vont faire que vous allez préférer l’une ou l’autre technique : votre aisance avec le “free” ou le “rest stroke”, et le style de musique. Je vous parlais avant de flamenco et de la musique classique. Dans ce style, le buté primera face au pincé. Si vous voulez jouer du rock ou des ballades comme celles de Cabrel, c’est la technique du pincé qui sera utilisée. Comme d’habitude, rien ne vous empêche d’utiliser l’une ou l’autre technique, mais la sonorité ne sera pas la même.

Par ailleurs, il est certain que la technique du pincé est bien plus accessible si vous êtes en train de débuter la guitare. Le pincé pourra être étudié dans le flamenco qui est un style qu’on aborde qu’après avoir réussi à jouer des accords et maîtriser les principales techniques.

Comment travailler le buté et le pincé ?

Un excellent exercice pour jouer ces deux différents stroke est d’alterner une phrase de buté et une phrase de pincé. Ainsi, quoi de mieux que de jouer le début des “jeux interdits” ? Je vous propose d’effectuer l’exercice suivant sur les mesures jouées avec les cordes à vide :

  1. Jouez la première fois avec la technique du pincé. Votre pouce reste parallèle aux cordes tandis que vous attaquez les cordes les plus fines avec le bout de vos doigts sans poser les doigts sur les cordes.
  2. Une fois terminé, vous effectuez le même exercice mais en buté. Vos doigts viennent alors se positionner ensuite sur la corde du dessus à chaque attaque.

Je vous laisse ci-dessous le fameux tutoriel à pratiquer.

Ces femmes bassistes qui ont marquée l’histoire de la basse !

femmes bassistes

Parce que dans un groupe il n’y a pas que le guitariste, nous mettons aujourd’hui un point d’orgue à vous faire découvrir des musiciennes exceptionnelles. Les femmes bassistes, loin des clichés, ont grandement participés à façonner l’histoire de l’instrument au cours des dernières décennies. Férue de Jazz, de Pop, de Rock ou pionnière du speed fickling en basse métal, nous vous présentons aujourd’hui 8 demoiselles qui maîtrisent leur basse !

Des femmes bassistes qui cassent la baraque

Sean Yseult, le son lourd

Le riff de basse de Black Sunshine du groupe White Zombie résonne encore dans le cœur des bassistes amateur de métal. Emblématique de par sa constance et sa lourdeur, il est certainement le plus caractéristique du jeu de Sean Yseult. La jeune femme a retracé sa carrière dans son livre ” In The Band “. Des photos et extraits de journaux plonge le lecteur dans le quotidien sulfureux de la basse métal.
 

 

Esperanza Spalding, la jazzgirl

 
Alternant le jeu de contrebasse et de basse électrique pendant ses performances, Esperanza Spalding est une autodidacte jazz aux multiples talent. Chanteuse dans sa propre formation musicale, elle donne au jazz une teinte moderne aux accents de Ron Carter et Dave Holland. Elle a gagné 7 grammy awards en seulement trois ans de 2011 à 2014.
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Tal Wilkenfeld, la virtuose funky

 
Bassiste pour le guitariste Jeff Beck, Tal est une véritable virtuose du funk. Maniant l’univers alternatif et les techniques de picking et slap à la perfection, son jeu est crucial pour Beck. Complémentaire, c’est un véritable modèle de précision rythmique.
 

 

Maria Altesa, la YouTubeuse star

 
Se faisant connaitre via ses vidéos YouTube, Maria Altesa est une fan passionné par le jeu des plus grands. Découverte en dépassant le million de vue sur la plateforme audiovisuelle, elle fait depuis des concerts aux quatre coins du globe. Le musicien Jamiroquai l’a d’ailleurs désigné comme bassiste officielle de sa dernière tournée en afrique du sud.
 

 

Kathi Wilcox, garage fury

 
Punk au possible, elle porte un son acide et fuzzy. Une basse omniprésente et des cris du cœur, voilà comment résumer le jeu de la bassiste du groupe Bikini Kill. Avant-gardiste pour certains, underground pour d’autres, en tout cas la bassiste de targue d’une fougue que de nombreux players du moment ont longtemps perdus.
 

 

Tina Weymouth, un feel inégalable

 
Son jeu, riche en syncope au cour de sa carrière avec le groupe de rock américain Talking Head, lui vaut une mouvance groove et funk. Sans fioriture, elle a été une pionnière de la New Wave des années 80. Teinté de reggae, sa basse staccato faisait office de fondation à toutes les compositions du groupe.
 

 

Kim Deal, l’emblématique

 
Féministe et emblème des Pixies et de The Breeders, Kim Deal était primairement guitariste avant de concéder au rôle de bassiste. C’est dans ce rôle qu’elle perfectionnera un son RAW. Elle préfère jouer avec des cordes usés et avec très peu de compression pour un effet étouffé. Adepte de la philosophie All Wave recording, elle enregistre exclusivement en live. Sans mastering poussé, auto tune ou altération du signal via des logiciels. En 2013, le flambeau des Pixies a été très bien repris par Paz Lechantin, jeune bassiste prometteuse et partageant le côté Roots de Kim.
 

 

D’arcy Wretzky

 
Bassiste du groupe de rock alternatif le plus en vogue des années 90 : les Smashing Pumpkins. Plus par son attitude subversive que par son jeu à la basse, Wretzky a instauré un univers particulier et plus sombre au sein des compositions du groupe. Bête de scène, son jeu était lourd et entraînant. Alternant des plans tantôt obstinés tantôt syncopés. Quittant le groupe pour entamer une carrière solo, elle est remplacé par Nicole Fiorentino, fan de la première heure du groupe et présentant un jeu plus lumineux.
https://youtu.be/EexCGM2GoHE
 

Des demoiselles qui participent chaque jour à la diversité dans la musique

 
On se quitte sur une liste de nom que l’on vous invite à rechercher. Des bassistes exceptionnelles qui chaque jours révolutionnent le rock’n’roll.
 
Este Haim, Charlotte Kemp, Patricia Morrison, Janis Tanaka, Candey Del Mar, Meshell Ndegeocello, Cléo Bigontina, Malia James, Nadja Peulen, Geoginna Lisee, Lyn-Z, Emma Anzai, Melissa auf der Mauer ou encore Yolanda Charles.
 
Vous souhaitez découvrir plus de talents ? Faites un tour sur notre page Pinterest dédié à la basse !

Qu’est ce qu’une pédale à la guitare et leurs différences ?

Un assemblage de différentes pédales de guitare pour vous expliquer de qu'est la différence entre toutes ces pédales

Vous avez sûrement déjà entendu parler des pédales d’effet à la guitare, soit dans un magasin de musique, soit auprès d’un guitariste un peu plus expérimenté que vous. Le mot pédale de distortion, overdrive, réverbération et loop ne vous dit rien ? Ne vous inquiétez pas, nous allons détailler ensemble toutes les différentes pédales de guitare qui sont indispensable ou non à votre jeu de guitariste, pour améliorer votre son et rajoute des effets.

Qu’est ce qu’une pédale de guitare ?

Une pédale de guitare et un petit dispositif électronique que vous pouvez contrôler avec votre pied et qui permet, selon ses caractéristiques, d’appliquer un effet à votre son. Vous pouvez brancher une guitare électrique, une basse et même une électro-acoustique afin de changer votre son. Elle peut être branchée sur secteur ou alimentée avec une pile 9V. Je vous conseille d’acheter rapidement une alimentation ! Les pédales sont très gourmandes en piles et vous risquerez de passer votre temps à aller acheter des piles.

La pédale vous permettra donc d’avoir un autre type de son, voici quelques exemples :

  • une saturation donnant un son plus agressif avec la distortion ou l’overdrive.
  • de la réverbération vous donnant l’impression de jouer dans une grande église.
  • un écho, amené par une pédale de delay.
  • ou des effets particuliers comme la wah-wah.

En appuyant avec votre pied, vous allez activer l’effet que contient la pédale. En appuyant une deuxième fois, vous allez enlever l’effet, on dit qu’on le “bypass”. D’ordre général, le prix moyen d’une pédale est compris entre 40 et 180€ en fonction de la gamme et de l’effet attendu.

La différence entre une analogique et une pédale numérique

Vous allez découvrir ici un conflit de puristes. À la base, la pédale d’effet possède un circuit électronique composé de transistor. C’est d’ailleurs en 1962 que la première pédale a été crée. Pour les curieux, c’est une pédale de fuzz, je vous explique tout dans la suite de l’article. Ainsi, un signal analogique traite un signal électrique en entrée avec ses composants, avant de l’injecter en sortie jusqu’à votre amplificateur.

La pédale numérique commence à pointer le bout de son nez en 1980. Le but est d’échantillonner (découper) les signaux audio en un flux numérique. Ensuite, les différents composants à l’intérieur comme des processeurs vont traiter numériquement ce signal. Pour finir, ce signal numérique est reconverti vers un signal audio.

Le grand conflit des guitaristes réside là : les puristes préfèrent les analogiques tandis que les nouveaux guitaristes apprécient les numériques. C’est qu’une simple question de point de vue.

Avantages et inconvénient de la pédale analogique :

  • Son authentique et côté vintage.
  • Ne détériore pas la qualité du signal numériquement.

Avantages et inconvénient de la pédale numérique :

  • Prix inférieur pour des fonctionnalités plus avancées.
  • Permet de coupler plusieurs effets dans une seule unique pédale.
  • Possibilité de mémoriser plusieurs réglages.

Personnellement, j’adore l’aspect vintage de la bonne vieille pédale analogique. Il est même possible de trouver des pédales à lampe, pour donner encore plus de couleur à votre son. Certaines sont devenues incontournables et mythique comme la pédale whammy de wah-wah, le zoom g2 ou la série “me” de boss comme la “me-25” ou la “me-70″Mais niveau pratique et accès à des sons aussi riches que variés, la pédale numérique notamment sous sa forme de multi-effet est incroyable et vraiment amusante !

Les multi-effets, une pédale contenant pleins d’effets

Grâce au numérique, il est devenu possible de mélanger plusieurs effets dans une pédale. Imaginez, une pédale un peu plus large avec un écran, permettant d’obtenir une centaine d’effets différents, avec la possibilité de les mélanger comme vous le désirez et contenant déjà une banque de données pré-configurées (presets) permettant d’avoir en un clin d’oeil le son de vos artistes préférés ? Le tout, avec la commodité du bord : un accordeur intégré, un métronome et même une boite à rythme simulant une batterie. Avec ce type de pédale, vous allez vous amuser des mois entiers.

Personnellement, j’aime beaucoup la palette de configurations possibles avec les multi-effets. J’ai un GT8 de boss qui me sert lors des cours en direct pour mettre de la réverbération, de la saturation et d’autres effets pour le plaisir des oreilles. Le tout, contrôlable uniquement avec mes pieds. Vous pouvez passer d’un son saturé à un son clean en un simple mouvement du pied, plutôt pratique en live ou en concert !

Comment brancher une pédale dans ma chaîne du son ?

De base, une pédale d’effet se branche entre la guitare et l’amplificateur. Néanmoins, il est possible de paramétrer des boucles d’effets et de brancher ainsi ces pédales après le pré-amplificateur. Vous pouvez aussi constituer ce qu’on nomme “un rack” de pédales. C’est un assemblement en chaîne, permettant d’obtenir des sons différents grâce à plusieurs pédales assemblées. Si vous avez de nombreuses pédales, vous pourrez les placer dans un pedalboard, une malette vous permettant de placer vos chéries comme bon vous semble et de les transporter facilement. Pour ceux qui aiment varier, vous pouvez aussi essayer le branchement de la méthode des 4 câbles.

Un pédalboard contenant une pédale de distortion, compression et reverbération.
Un magnifique pédalboard bien rangé, c’est un excellent cadeau pour un guitariste. L’ordre d’assemblage est logique mais rien ne vous empêche à faire des expérimentations.

Les différents sons et effets des pédales

Vous vous en doutez, les ingénieurs et électroniciens se sont amusés à créer des pédales permettant d’obtenir des sons et des effets de dingue ! Sachez qu’il est possible pour vous d’assembler une pédale à la maison en achetant un kit neuf ou d’occasion pour créer et faire sa pédale soi-même.

La saturation : distortion, fuzz et overdrive

Vous aimez les sons saturés ou désirez créer un beau crunch sur votre son ? Ces pédales sont faites pour vous !

  • l’overdrive vous permettra d’atteindre une saturation propre et puissance, ou de donner un crunch à votre son.
  • la distortion est faite pour les fans de metal, elle permet de saturer votre son et d’apporter une couleur particulière.
  • La pédale fuzz est particulière, imaginez une distortion très baveuse et poussée à l’extrême ? La pédale Big Muff en est une référence, à tester absolument !

L’écho : réverbération et delay

Vous avez envie de faire de jolis solos de guitare ? Ne cherchez pas plus loin, ces effets sont faits pour vous :

  • la réverbération vous donnera la sensation de jouer dans une église par exemple. Vous pouvez régler l’intensité de cet effet avec le mix, la durée ou la profondeur par exemple.
  • Le delay donnera une sensation d’écho. En jouant, le son va se répéter plusieurs fois et de moins en moins fort.

Ces deux effets se mélangent parfaitement, je vous recommande d’en mettre peu, c’est cela qui vous permettra d’obtenir un joli son. “less is better” comme dirait l’autre.

Pour configurer le son : compresseur et égaliseur

Vous trouvez que votre son est trop chargé en basse ou en son aigus ? Avec une pédale EQ ou “equalizer”, vous allez pouvoir agir sur les différentes fréquences du spectre du signal de votre son en boostant les basses, creusant les médium et coupant les aigus par exemple. Il existe sous deux formes :

  • L’égaliseur à bandes qui vous permet de régler précisément chaque plage de fréquences.
  • L’EQ paramétrique qui vous permet de creuser grâce à l’amplitude (Q) sur des plages de fréquences déterminées.

Le compresseur, lui, permettra de compresser votre son et lui donner plus d’impacte et de présence.

Pour improviser, la pédale loop

Jouez 4 accords de guitare, appuyez sur votre pédale et laissez là jouer à votre place pour pouvoir jouer de la guitare par dessus ce que vous venez d’enregistrer. C’est ce que propose la pédale loop. Si vous adorez improviser en solo et en live, cette pédale vous permettra de bien vous amuser. Le principe est simple :

  1. Activez votre pédale et jouez 4 accords ou plus.
  2. Appuyez à nouveau dessus.
  3. La pédale a enregistré le son et va le faire boucler.
  4. Amusez vous en improvisant par dessus !

Les effets incontournables : flanger, chorus, vibrato et phaser

Des effets particuliers hors saturation est écho on fait leur apparition et permettent d’effectuer des expérimentations assez particulières dans vos compositions, j’ai nommé :

  • Le flanger, souvent surnommé “l’aspirateur”. La pédale écoute votre son et ajoute des perturbations de temps et de fréquences. Vous avez l’impression que le son se tort dans tous les sens et que votre guitare et doublée (non pas comme dans un octaver qui reprend votre son en rajoutant une octave au dessus ou en dessous).
  • Le chorus vous donne une sensation similaire au flanger. C’est un des effets les plus connus, mais plus harmonieux que le flanger.
  • Le phaser va faire varier votre signal en le mélangeant avec un autre signal retardé selon plusieurs fréquences, vous donnant l’impression que votre son comporte plusieurs phases, une futur et une passée par rapport à ce que vous venez de jouer.
  • Le vibrato : un effet assez original qui va faire onduler votre son à la manière d’un vibrato que vous réalisez normalement à la main

Les pédales d’expression : wah-wah et pitch shifter

Certaines pédales vont faire varier leur son en fonction de votre action sur l’inclinaison de la pédale via la pédale d’expression. C’est le cas de ces deux pédales :

  • La pitch schifter va “pitcher” votre son en l’envoyant dans la stratosphère des aigus. Elle permet d’augmenter ou de diminuer de plusieurs octave votre son à la guitare d’un simple mouvement de pied.
  • La wah-wah est sûrement l’effet le plus populaire, notamment utilisé par Hendrix ou Dimebag Darrel ! La fameuse Crybabyy de Dunlop est la référence à avoir. C’est un filtre passe-bande que vous pouvez contrôler avec votre pied. Si la pédale est baisée, les aigus sont mis en avant. Si elle est basse, ce seront les graves, créant un son “wah-wah”

Les pédales outils : accordeur ou noise gate

D’autres pédales vous aideront dans votre confort de jeu :

  • La pédale tuner ou accordeur vous permet d’accorder votre guitare.
  • La noise gate est très intéressante, elle va supprimer tous les bruits qui ne dépassent pas un certain volume. Du coup, vous allez pouvoir jouer sans vous inquiéter des bruits parasites.
  • Une pédale de volume permet de contrôler le volume (logique)
  • Une pédale boite à rythme permet d’utiliser des rythmes de batterie qui sont pré-enregistrés

Conclusion : est-on obligé d’avoir une pédale ?

Absolument pas, vous pouvez très bien jouer avec les sons de votre amplificateur sans avoir à acheter une guitare. J’ai acheté à mes débuts une pédale de distortion et je l’ai regretté. Ensuite, j’ai acheté un multi-effets et je l’ai regretté. C’était simplement parce que je n’avais pas assez d’expérience pour comprendre leur utilité. Aujourd’hui, je ré-utilise ces pédales pour travailler mon son. Cela ne m’a jamais freiné dans mon apprentissage ou dans ma pratique de l’instrument durant toutes ces années. Tout dépend si vous en éprouvez l’intérêt pour vous amuser à créer votre son où pour le simple plaisir de s’éclater.

Qu’est ce qu’un renversement d’accord à la guitare ?

renversement accord guitare cours

Une fois que vous maîtrisez les accords et avez (bien) compris les bases de l’harmonie, la troisième étape va être de découvrir les renversements d’accords. A la guitare, un accord est dit ” à l’état de renversement ” lorsqu’il n’est pas à l’état fondamental. Autrement dit lorsque sa note de basse n’est pas sa fondamentale. Entrons ensemble dans les détails en définissons les différents types de renversements d’accords et la façon de les former.

Les différents types de renversements d’accords

  • Le premier type de renversement est un accord qui a sa tierce à la basse. On l’appelle l’accord de 3 sons.
  • Un deuxième sa quinte à la basse (l’accord de sixte et quarte) : ce dernier doit toujours être suivi d’un accord de résolution qui clôturera la mesure ou le mouvement sonore.
  • Enfin un troisième renversement sera un accord qui a sa septième à la basse, on l’appel aussi l’accords de 4 sons.

Il est important de comprendre que dans un renversement d’accord, il y a toujours deux accords. En effet, un accord renversé reste référent à un accord fondamental. Une fois renversé, l’accord peut devenir un point de transition avec une gamme ou tonalité. Une sorte de pont harmonique.

L’exercice ultime pour jouer les renversements d’accords à la guitare : Hotel California

Le mythique morceau de The Eagle est parfait pour mettre en pratique ce que nous avons définit plus tôt sur les renversements d’accords. L’outro même de la chanson délivre un épique arpège en 8 mesures reprenant les accords principales en plan renversé. La magie de ces mesures finales résident la superposition de deux guitares. Les renversement d’accords joués sont alors de deux natures différentes pour les mêmes accords.

Voici le premier plan :

renversement d'accord guitare
Les premiers plan renversement sur les accords d’Hotel California.

Et voici le second plan, superposé :

renversements d'accords guitare
Plus aigüe, cet arpège est composé de renversements d’accords en position deux.

Cette séquence vous a mis l’eau à la bouche ? Découvrez le tuto cours en direct MyMusicTeacher sur Hotel California

Les accords de guitare les plus difficiles à jouer au monde !

accord guitare difficile

Lorsque l’on est guitariste débutant, la bête noire, ce sont les accords barrés. Pourtant, ces derniers font parties des accords de guitare les plus simple à réaliser. Il suffit d’apprendre la position majeure, mineure, et pourquoi pas septième et le tour est joué. Ils peuvent être déclinés en accord de quinte ou de puissance. Le seul pré-requis pour les maîtriser est d’avoir une bonne poigne et un soupçon d’agilité. Au contraire, certains accords peuvent vous donner du fil à retordre malgré ces paramètres ! Lumière sur ces derniers.

Un point rapide sur la difficulté des barrés

Avant de nous lancer dans le vif du sujet, opérons un petit rappel sur les accords barrés. Ces derniers demandent de la poigne car la jonction entre l’index et le pouce va être sollicité pour plaquer, .. ou barrer, une frette entière en plus de la position des autres doigts. La main prend naturellement l’habitude de réaliser le mouvement après quelques mois de pratique. Des mois qui bien sûr ne sont pas indolores pour le guitariste débutant, et effrayé par l’intensité de l’exercice.

Si comme nous, vous avez réussi à franchir le cap, alors vous savez que les barrés ne sont que le cadet de vous soucis. Explorons ensemble les méandres du système d’accordage standard pour retrouver les accords de guitare les plus difficiles à jouer au monde !

Les accords de guitare les plus compliqués

Amateur de Funk, de Jazz, vous êtes servis ! Vous avez sans doutes déjà entendu parlé des tétrades diminuées ? Ce sont des accords de septième un peu particulier que l’on vous laisse découvrir dès à présent :

tetrade diminue
Les tédrades diminués, des accords septième.. différent.

Déjà mal au doigt ? Attendez de découvrir les accords de septième dièse neuvième :

accord de septième dièse neuvième
Les accords de 7#9 (septième dièse neuvième).

Pour finir, un petit cadeau funky, les accords de sixième :

accords de guitare sixième
Des accords de sixième.

Vous connaissez d’autres accords difficile à placer ? N’hésitez pas à nous les laisser dans les commentaires. Nous on va aller s’entraîner !

Neil Young Harvest : ses tablatures les spécificités de son jeu de guitare

neil young guitare

Guitariste et chanteur à l’univers sombre mais intense, Neil Young est une véritable icône folk rock et country. Avec des morceaux d’anthologie comme Peace Trail, Old Man, ou Heart of Gold. Il est reconnaissable entre mille par sa voix s’étalant dans les aiguës et ses riffs de guitares hypnotiques et saturés. Nous allons dans cet article entrer dans le détail de son jeu à la guitare et vous proposer quelques tablatures de ses morceaux connus.

Prélude : Neil Young, un artiste dense en albums

Originaire de Toronto au Canada, il a commencé sa carrière musicale en jouant dans The Squires, un petit groupe de Winnipeg au succès très relatif. C’est en arrivant en 1965 en Californie qu’il va se faire remarquer sur la scène internationale avec son groupe de folk rock Buffalo Sprinfield. Sa carrière ne va cependant décoller que dès lors qu’il décidera de voler en solo en 1968. Il se fera remarqué avec son album éponyme Neil Young. Prodige autodidacte, il va aussi bien pouvoir chanter, que jouer de l’harmonica et de la guitare en même temps.

neil young guitariste
Neil Young, un artiste à la sensibilité disproportionnée.

De retour sur la route, il va intervenir dans les albums de nombreux groupes comme Crazy Horse ou le trio Crosby, Stills and Nash. En 1972 il connait alors son plus gros succès en rassemblant des musiciens studios de Nashville sous le pseudonyme de Stray Gators. Il enregistrera alors l’album Harvest.

Les spécificités du jeu guitare de Neil Young

En plus d’être un chanteur à la sensibilité hors norme, Neil Young est un guitariste virtuose. Il affiche une parfaite maîtrise émotionnelle du style folk rock. Ses riffs acoustiques sont souvent emprunt d’un vague à l’âme emplit d’espoir. Une nostalgie heureuse qui selon ses albums est teinté ou non de mélancolie. Son jeu électrique se compose exclusivement de mélodies saturés et de l’usage abondant d’harmoniques tant naturelles qu’artificielles. Le magazine Rolling Stone le classe d’ailleurs au rang de 18ème meilleurs guitariste de tous les temps.

Teinté de psychédélisme mélancolique, les notes tantôt dissonent, tantôt consonent, se mariant à la perfection avec un léger delay. Un écho venu d’ailleurs qui tranche dans le vif. C’est ainsi que l’on pourrait qualifier le jeu du guitariste.

Grand expérimentateur, il n’hésite pas à répéter plusieurs fois un même plan en variant la tonalité ou ajoutant des nuances et effets. C’est ce changement progressif du pitch d’un riff qui ressort le plus souvent de sa façon de jouer. Voici une petite vidéo pour illustrer nos propos de façon sonore :

 

Tablatures des morceaux de Neil Young

Sur MyMusicTeacher, nous avons des exercices interactifs avec les plus grand morceaux de Neil Young. Tablatures à l’appui ! On vous laisse avec ce petit tuto réalisé par Frank lors d’un cours en direct sur le morceau Heart of Gold. Assistez gratuitement à nos cours via notre page facebook ou notre application tous les mercredis et dimanches soirs à partir de 20h.

Comment apprendre à jouer de la guitare manouche et gitane ?

Photo de Django Reinhardt, un as de la guitare jazz manouche avec une de ses guitare préférée, photo en noir et blanc.

La guitare manouche et gitane intrigue de plus en plus ! Saviez-vous qu’il existe des techniques très typiques à utiliser pour savoir jouer de la guitare manouche ? Vous vous en doutez, elles sont assez proche du jazz et la sonorité est atypique. Mais alors, quelle guitare utiliser pour jouer du jazz manouche ? Et aussi, quels sont les accords, techniques et règles qui permettent d’apporter leur son si particulier ? On vous dit tout dans ce cours d’initiation à la guitare gitane.

L’origine du style

La guitare tzigane rejoint le jazz gitan suite au travail mutuel de Django Reinhardt et Stéphane Grappelli. Concrètement, c’est un mélange de swing, de musette et de musique tzigane. Ce style porte aussi le nom de “jazz manouche”, avec des rythmes et cadences rapides. Généralement ce groupe de musicien est composé de plusieurs guitares et de violons. C’est un style difficile à aborder part sa technicité qui demande des compétences de soliste. C’est dans les années 70 qu’il a commencé à rencontrer un succès important. Si vous voulez entendre d’autres morceaux de ce style, je vous recommande bien entendu Django, mais aussi le Rosenberg Trio ou Stéphane Wrembel qui sont des pointures du genre.

Vous pouvez vous poser une question très intéressante. Quelle est la différence entre manouche, gitan et tzigane ? Ici, nous mélangerons les termes dans un but de définition musicale des styles pour ne pas complexifier les mouvements.

  • Les Tziganes sont tous les peuples qui parcourent le monde et proviennent majoritairement d’Inde et même d’Egypte.
  • Les Tziganes étaient nomades. Ceux qui se posent pour devenir sédentaires sont les Gitans, notamment en Espagne. Ils sont fortement influencés par le Flamenco.
  • Les “Man houches” ou Manouches et les Sinti proviennent des pays de l’Europe de l’ouest mais d’origine Indienne. C’était le cas de Django Reinhart pour la guitare ou le cirque Zavata par exemple.
  • Les Roms sont donc des Man houches qui proviennent de Roumanie, Hongrie ou Bulgarie par exemple. Ils peuvent être divisés aussi en fonction de leur coeur d’activité. Par exemple, on parlera de Rom Chalderas (chaudronniers) car leur métier réside dans la fabrication de gouttières.
  • Les Yéniches sont un groupe éthnique Européen.

Voici pour les différences à quelques détails, les mouvements musicaux sont donc différents en fonction des origines, mais les techniques sont communes.

Quelle type de guitare acoustique pour jouer du manouche ?

Vous avez envie d’essayer le style Gipsy ? Sachez qu’avant d’aborder toutes les techniques, il vous faut une guitare adaptée ! N’ayez crainte, vous pourrez quand même travailler sur une guitare acoustique folk, classique ou électrique. Moi même n’ayant pas une guitare gitane, je travaille mes morceaux sur une guitare classique.

Ainsi, la guitare spécifique pour jouer du jazz manouche est un mélange étrange entre une guitare folk et une guitare classique :

  • Le manche est plus fin qu’une guitare folk.
  • Les cordes sont épaisses et en métal.
  • La bouche présente sur le corps de la guitare peut être petite ou grande.
  • La rosace est généralement en forme de D.
  • Le chevalet est la plupart du temps flottant.

Ainsi, à l’inverse de la guitare classique qui a des cordes aigus en nylon, la guitare pour jouer du manouche en comporte en métal.

Une guitare jazz manouche avec une petite bouche qui différencie des guitare folk ou classique.
La guitare idéale pour commencer le jazz manouche et faire ses premières rythmiques.

Comment jouer de la guitare gitane ou manouche ?

Voici un cours rapide sur les différentes techniques de guitare manouche. La vitesse est un facteur important qui vous permettra de donner plus de mouvement. Commencez lentement pour avoir un jeu propre et une rythmique impeccable.

Les techniques de jeu

Vous vous en doutez, l’apprentissage de la guitare manouche demande déjà de nombreuses bases à la guitare. Si vous connaissez les principaux effets et techniques de guitare et que lire une tablature n’a plus de secrets pour vous, vous serez au top ! Sinon, suivez nos cours de guitare qui donnent des résultats explosifs avant d’aborder ce sujet. Prenez votre médiator, ça va swinguer !

Le pompe jazz manouche

Pour tous ceux qui désirent débuter le style gitan à la guitare, le pompe constitue le principale exercice et même la base que vous pourrez modifier par la suite. Prenons une guitare rythmique qui va jouer des accords. En réalité, vous allez simuler le rôle d’une batterie sur le jeu de vos accords. Il existe plusieurs types de pompe.

Le pompe swing

On pourrait le définir comme un swingué en 4 temps. Vous alternez des mouvements du type :

  • Un coup vers le bas sur les grosse cordes afin de simuler le placement de la grosse caisse, suivi d’un silence (croches pointée avec un quart de soupir).
  • Votre main remonte sans toucher les cordes.
  • Ensuite un coup vers le bas, (croches pointées).
  • Un revers de médiator pour le charleston en bloquant toutes les cordes. en swingué (double croche).

Vous avez la un rythme de 2 temps à répéter deux fois. Le but est de donner un mouvement et du rythme en jouant la partie rythmique de la guitare. Comme d’habitude, travaillez le mouvement lentement avec un métronome et augmentez progressivement. Pour créer les silences, vous devez simplement lever les doigts de votre accord. Vous créer le son étouffé, vous devez simplement poser votre main côté manche sur les cordes, sans appuyer.

Le pompe droit

Si vous arrêtez de swinguer ce mouvement en jouant cette fameuses double croche avec des cordes bloquées, vous obtenez un pompe droit. Le mouvement devient donc :

  • Attaquer les grosses cordes vers le bas avec un léger silence en soulevant les doigts.
  • Attaquer toutes les cordes avec là aussi un silence à la fin du temps.

Du coup, vous pouvez enchaîner des croches pointées suivies d’un quart de soupire pour jouer du pompe droit.

Le compas et sa différence avec le pompe

Le compas va apporter un mouvement percussif affirmé avec l’ajout la frappe de la main contre la guitare tout en optimisant le sens d’attaque de la main. Ce mouvement se décompose en 4 gestes :

  • Attaquez le corps de la guitare avec votre main ouverte par dessus les cordes.
  • Revenez avec votre index sur les cordes qui composent votre accord.
  • Attaquez vers le bas avec votre index.
  • Revenez avec le pouce vers le haut.

Le mouvement percussif peut aussi se faire avec les cordes bloquées. Dans ce cas c’est le pouce qui effectuera l’attaque vers le bas. Vous pouvez ensuite retrouver d’autres mouvements que vous retrouverez dans nos cours avancés de guitare gitane, notamment sur la rumba gitane.

Les accords les plus utilisés en guitare manouche

Nous favorisons les accords chargés en en basses en évitant les mineurs et majeurs. Une dominante en accords septièmes ou sixièmes mineure est très importante. Ajoutez à cela quelques diminués ou demi-diminués et vous avez la recette pour obtenir la bonne sonorité. Bien entendu, comme pour les plans de blues, vous retrouverez quelques enchaînements typiques au travers de grille d’accords.

 

 

Meilleur album guitare : notre sélection pour les guitaristes amateurs

meilleurs album guitare

Lorsque l’on est un amateur de guitare, en consommer devient primordiale ! Ecouter, s’inspirer, s’émouvoir devient essentiel pour s’améliorer. Chez MyMusicTeacher, on vous a préparé un petit classement de meilleur album guitare. Des œuvres 100% instrumentales et qui pourraient apporter un réel plus à votre conception de l’instrument.

Meilleur album guitare : des artistes virtuoses

Les albums que nous allons vous présenter dans les prochaines lignes comportent uniquement des pistes instrumentales. Il existe des centaines d’albums ayant eu une énorme influence sur les courants musicaux et sur la pratique de la guitare. Nous ne parlerons pas de ces albums ici, mais, au contraire, d’albums à part. Des chefs d’œuvres isolés qui cette fois peuvent former le guitariste dans son idée même de l’instrument.
 

Meilleur album guitare
Lorsque l’on aime la guitare, on ne lésine pas sur son écoute.
 

Notre TOP 7 des meilleurs albums guitare :

 

7. Virtuoso – Joe Pass

On commence avec un très grand nom de la guitare classique jazz : Joe Pass. De son véritable nom Joseph Antony Jacobi Passalaqua, il a la particularité d’avoir développé un jeu de guitare proche de celui d’un pianiste. Notamment le style de Art Tatum. Son oeuvre la plus connue reste l’album Virtuoso. Une composition qui traduit bien le style en fingerpicking soft marqué d’alternances d’accords et arpèges complexes.
 

 

6. Rodrigo y Gabriela (artiste eponyme)

Rodrigo Y Gabriela est un duo de guitaristes venant du Mexique et s’étant fait connaitre mondialement depuis l’Irlande. Fruit d’une symbiose parfaite de leurs façon de jouer, l’album éponyme Rodrigo y Gabriela reflète les racines flamenco teintées de metal du groupe. Un album qui reprend de nombreuses chansons célèbres en fingerpicking dans un style très percussif (ex : stairway to heaven). La fougue du groupe est extrêmement inspirante et on vous conseille vivement de les voir en live.
 

 

5. Jeff Beck’s Guitar Shop – Jeff Beck

 
Guitariste d’une inventivité incroyable, Jeff Beck a fait un incroyable cadeau au monde de la guitare avec son 5ème album : Jeff Beck’s Guitar Shop. Sorti en 1989, l’album est arrivé au rang 49 du US Billboard 200. Après un passage remarqué dans le domaine du jazz fusion, Beck s’attelle à un rock instrumentale plus virulent. Si vous êtes amateur de groove et d’une guitare typé, on ne peut que vous envoyer écouter cet album du 5ème meilleur guitariste de tous les temps.
 

 

4. Surfin with the Alien – Satriani

 
Véritable Guitar Hero au même titre que son compère Steve Vai, Joe Satriani est le technicien suprême du solo guitare. Il a grandement contribuer à populariser des techniques extrêmes comme le tapping et le shred. Son meilleur album guitare : Surfin with the Alien. Un CD plein de brio qui a été sacré disque de platine aux Etats Unis. Des mélodies pleine de précision de d’innovation que tout guitariste doit avoir entendu au moins une fois dans sa vie.
 

 

3. La guitare à Dadi – Marcel Dadi

 
Le guitariste français de notre classement, c’est Marcel Dadi. Véritable pionnier du fingerpicking en France, Dadi était aussi un personnage sympathique, d’une profonde empathie. Un guitariste tout d’abord fan de Chet Atkins, qui a fini par faire de sa passion son style de prédilection. Son premier album : La guitare à Dadi fut une véritable révélation en France, l’album s’est hissé, contre toute attente, en tête des ventes. Pédagogue, Dadi a rédigé lui même les partitions de ses morceaux, qu’il diffuse avec son album. Il a été l’auteur de nombreux manuscrit dédié à l’enseignement de ses morceaux ou du fingerpicking. En somme, La guitare à Dadi est un album touchant, virtuose, et d’une maîtrise inédite.
 

 

2. Django Reinhardt – The Best Of Django Reinhardt

 
Originaire d’Alsace mais née dans une roulotte en Belgique, Django Reinhardt est un guitariste de jazz mythique. Débutant la musique avec le violon puis le banjo, il devient fasciné par les instruments à cordes. Son apprentissage devient visuel et auditif et il s’adonne longuement à imiter les musiciens itinérants passant par son campement. Victime d’un incendie, Django est gravement brûlé à la main gauche et perd l’usage de deux de ses doigts. Après une longue et tumultueuse ré-éducation, il va se mettre à la guitare où il développera une technique unique. Son album ” Best Of ” rassemble ses œuvres les plus connues : allant de Minor Swing, à Nuages, etc.. Un medley de ses œuvres formatrices, faisant office de véritable base pour la musique jazz.
 
https://youtu.be/rKQ3ghkXzh0
 

1. America par John Fahey

 
Connu aux origines sous le nom de Blind Thomas, John Fahley est un des premiers guitaristes à jouer des solos sur des guitare acoustiques à cordes métalliques. Ses influences sont très nombreuses : musique indienne, brésilienne, classique et folk américain. Extrêmement connu aux Etats Unis, il reste assez discret en France. C’est aussi pour ça que nous avons voulu placer son album phare : America, en top de notre liste de meilleur album guitare. Ses racines cosmopolite résultent d’un sursaut d’inventivité. Le blues et le folk se mêle sur des plans de sweep pinking et des riffs fusion. Une ode à la diversité qui nous montre qu’un guitariste peut très bien se représenter sois même dans sa musique.
 

Quel médiator choisir pour débuter la guitare ?

Plusieurs médiators de couleurs différentes pour les débutants.

Qu’est ce que le médiator ?

Par définition, le médiator qui aussi appelé sous les synonymes de plectre ou plectrum, est un petit bout de plastique, metal, bois ou même os de forme triangulaire permettant de gratter ou d’attaquer les cordes d’un instrument à cordes comme la guitare. Il est très utilisé à la guitare électrique mais aussi à la guitare acoustique. Son prix peut varier de 20 centimes à plusieurs centaines d’euros.

Quelle est l’utilité d’un médiator ?

En attaquant les cordes de votre guitare, vous avez le choix entre l’attaque aux doigts ou au médiator. Les doigts permettent d’apporter plus de douceur au jeu tandis que le plectre apporte une attaque plus présente avec un jeu plus “brillant”. Comme il est utilisé dans les instruments à cordes, vous pouvez jouer les cordes d’une guitare mais aussi d’un banjo ou d’un mandoline, apportant ainsi une plus grande vibration des cordes et l’apparition de certaines techniques comme les harmoniques artificielles.

Bien entendu, vous pouvez jouer de la guitare sans médiator. Pourtant, vous rencontrerez un jour un morceau qui vous donne envie et qui doit se jouer avec un plectre. Je vous conseille donc de jouer au doigt et de travailler aussi le jeu au médiator. Nous vous expliquons comment le tenir et attaquer les cordes dans nos cours.

Quelle épaisseur et matière pour un plectre ?

L’épaisseur d’un médiator est comprise entre 0,2 mm à 2 cm. Sa dureté va définir aussi sa souplesse et son impacte sur le son. Ainsi, un médiator fin sera bien plus souple qu’un médiator épais. La matière principalement utilisée est le plastique. Néanmoins, d’excellents artisans réalisent des médiators de qualité dans d’autres matières comme la corne, l’os, les écaille ou le métal.

  • Plastique : le médiator de base, avec du plastique de type Delrin, ou celluloïd. Ce sont les plus abordables et polyvalent. Plutôt fragiles, ils ont tendance à glisser entre les doigts avec la transpiration. Ils sont achetables à l’unité ou par boîte.
  • Bois : le bois permet une attaque plus ronde des cordes. Délivrant des sonorités chaudes et veloutées idéales pour le Jazz et les mélodies proches. De par la diversité des bois utilisables, les sons produits par ces médiators peuvent grandement varier.
  • Métal : très résistants, ils provoquent des sonorités très claires et brillantes. On peut en trouver en inox, laiton, bronze, argent, et même en or. Idéal pour le heavy métal, ils usent cependant plus facilement les cordes de votre guitare.
  • Corne : offrant des sonorités moelleuses et un bon compromis entre rigidité et résistance, les médiators en corne sont idéals pour le jeu rapide funk et bluesy. Ils permettent une attaque dynamique et un grand confort d’utilisation.
  • Os : résistant, rigide et générant de belles tonalités, les médiators en corne sont la meilleure alternative à ce jour aux plectres en écaille de tortue. Ces médiators sont parfaits pour jouer du Rock et ses variantes plus ou moins hard.
  • Ecaille de Tortue : leur fabrication a été interdite vers le milieu des années 70. Les médiators en écaille de tortue de mer étaient connus pour leur très grande rigidité, leur durabilité (on pouvait le garder des années!) et leur tonalité très riche et complexe.

Les pointes peuvent elles aussi êtres différentes comme avec du diamant. Ils peuvent aussi être recouvert d’un antidérapant, d’un anti glisse ou même êtres personnalisés avec des médiators à graver ou à personnaliser à l’unité.

Quel médiator pour quelle guitare ?

Voici quelques indications en fonction de votre utilisation et de votre guitare. Que ce soit pour des solos ou de la rythmique, certains médiators sont plus intéressants ! Le feeling reste néanmoins le meilleur critère qui vous permettra de choisir le bon médiator. Le fait de le tenir en sentant un maintient confortable, sa réaction aux cordes et le rendu sonore vous permettra de faire le bon choix. Il n’est pas rare d’en tester une bonne trentaine avant de trouver le bon.

Quel médiator pour guitare électrique ?

Personnellement, j’utilise des médiators Jazz III. Ce sont d’excellents plectres de 1 mm. Je les utilises pour avoir un son tranchant et faire ressortir mes solos. Puis, quand l’occasion se présente, j’utilise ceux de mon ami Riki le plectrier qui fait un travail formidable. D’ordre général, on utilisera un médiator épais pour faire un solo et un médiator souple pour jouer des rythmiques pop-rock par exemple.

Un guitariste tenant un médiator de guitare qu'il vient de choisir pour jouer avec sa guitare acoustique.
Choisir le bon médiator vous permettra d’améliorer votre qualité de jeu et votre attaque des cordes.

Le meilleurs médiator pour une guitare acoustique ?

Il est rare de faire un solo de guitare sur une acoustique folk. Par contre, en guitare manouche qui s’apparente en partie à la guitare classique, le médiator est très utilisé. Sur une guitare folk, préférez un plectre fin et donc souple. Si vous jouez des solos sur une classique, utilisez un médiator plus épais.

Si vous cherchez à acheter un beau médiator personnalisé ou originale, je ne peux que vous conseiller de visiter cette très belle boutique. Vous obtiendrez un son bien plus particulier ! N’oubliez pas d’acheter un porte médiator si vous vous déplacez souvent, cela vous évitera de les perdre sur la route ou dans votre guitare et de passer des heures à essayer de le ressortir.

Nos conseils pour tester et faire son choix sur le bon médiator

Tout comme une guitare, l’esthétique est un point important. En effet, avoir un beau médiator vous donnera sûrement l’envie de jouer plus souvent, surtout si ce dernier est confortable et facile à utiliser. Pour tester ce petit bout triangulaire de plastique (ou d’une autre matière). Si vous débutez totalement, prenez un lot de 10 médiators avec des souplesses différentes pour tester selon le conseil du vendeur dans le magasin de musique.

  1. Prenez le médiator que vous voulez acheter, ainsi que votre ancien, un plus dur et un plus souple.
  2. Jouez de la rythmique puis du solo.
  3. En fonction de votre test, choisissez plus dur ou plus souple.
  4. Posez vous aussi les questions suivantes : “Est-il trop petit ? Trop grand ? Ne glisse t-il pas ?”

Prenez le temps aussi d’écouter les modifications que cela crée sur le son. Pour tenir votre médiator, soyez toujours détendu et ne vous crispez pas ! Après cela vous pouvez venir tester nos exercices pour gagner de la vitesse au médiator.